Heute beschäftigen wir uns mit einem Thema, das ist so alt wie die Fotografie selbst.
Und trotzdem haben wir anscheinend immer wieder das Gefühl, das Thema komplett neu für uns zu entdecken.
Es gibt Themen in der Fotografie, über die seit jeher gestritten wird.
Zum Beispiel kann Fotografie Kunst sein, wo sie doch nur festhält, was sowieso schon da ist.
Nummer 2 ist das Manipulieren von Bildern, sei es jetzt mit Ausschnitt oder Bildbearbeitung,
Irreführung des Betrachters oder legitimes Ausdrucksmittel.
Nummer 3 entsteht Fotografie im Kopf der Fotografin, in der Nachbearbeitung, bei ihrer Verwendung
oder vielleicht sogar erst im Kopf der Betrachtenden.
Man könnte gerade weitermachen.
Wer momentan die aktuellen Nachrichten rund um das Medium verfolgt, dem wird nicht entgangen
sein, dass es einen Trend zur Bildnachbearbeitung gibt. Bilder werden nachkoloriert, die ursprünglich
mal in schwarz-weiß aufgenommen wurden. Lächeln werden in eigentlich ernst schauende Gesichter
montiert. Kurz gesagt, die Software wird immer intelligenter. Kann man denn dann Bildern
überhaupt noch vertrauen, so wie früher? Ja, früher. Schauen wir uns doch dieses früher
mal ein bisschen näher an.
Die Königin der Bildbearbeitungsprogramme, das ist ganz eindeutig Photoshop.
Und Fotoshops Geschichte beginnt 1988.
Ich war da knapp 12 Jahre alt.
Und der Doktorand Thomas Knoll war damals wahrscheinlich ein bisschen älter.
Für sein Studium beschäftigte er sich mit bildverarbeiteten Systemen.
Sein Bruder arbeitete in der Zeit bei Industrial Light & Magic, also der von George Lucas gegründeten Special Effects Firma.
Ich habe gerade in ILM angefangen und ich habe ein paar Monate später, als ich Tom, der PhD-Kandidat für die Universität Michigan war,
und seine Thesisarbeit war an den Systemen der Vision und er hat alle Image-Prozessierungen geschrieben.
Es war eigentlich sehr erstaunlich, wie ähnlich Tom das geschrieben hat, als ich es auf dem Pixar gesehen habe.
Als ich die Demo von Pixar bekam, war es sehr spannend.
Das wollte ich wirklich haben.
Aber es war auf sehr teuerer, exklusiver Hardware.
Aber dann hat Tom diesen Job auf der Macintosh Plus gemacht.
Ein Computer, den ich hatte.
So plötzlich sah es aus, dass ich einen eigenen Computer habe, der solche Sachen machen kann.
Braute sein Bruder Thomas für sein Studium mit handelsüblicher Standard-Hardware kleine
Tools zur Bildbearbeitung.
Unter anderem ein Produkt, das er Display nannte, das in der Lage war, Graustufenbilder
auf einem Monochrom, also Schwarz-Weiß-Monitor darzustellen.
John sah diese ersten Gehversuche und war tief beeindruckt.
Da musste keine zehntausende Euro teure Hardware werkeln.
Das alles konnte man mit Technik von der Stange machen.
Und er belaberte seinem Bruder doch aus dieser kleinen Sammlung von Utilities ein Bildbearbeitungswerkzeug
zu machen.
Und es sollte Image Pro heißen.
Ja, leider hatte der Namen schon jemand anderes reserviert.
Und die zweite Wahl war dann Photoshop.
Photoshop 007 kam 1988 raus.
Und es erregte von Anfang an Aufmerksamkeit.
Denn es konnte Dinge, die andere Software bis dahin nicht konnte.
Die damals noch junge Firma Adobe sieht das Potential in der Lösung und kauft die Rechte
an Photoshop.
Das war wahrscheinlich der Tag, an dem Tom und John beide zu Millionären wurden.
34,5 Millionen US-Dollar hat diese Lizenz gekostet.
Am 1. Februar 1990, drei Tage vor meinem 14.
Geburtstag, kommt Photoshop Version 1.0 für den Mac raus.
Dollar hat es damals gekostet. Und verglichen mit der heutigen Plattform konnte es nichts.
Verglichen mit dem was es bisher aber so gab, war die Werkzeugpalette von Photoshop revolutionär.
Noch im selben Jahr kamen Erweiterungen die wir bis heute benutzen. Ein Stift Tool um in der
Software nicht zu manipulieren sondern auch direkt malen zu können. Pfade, Unterstützung für
Druckfarben. Ab jetzt ging es Schlag um Schlag. Photoshop wurde so wichtig für jedes Genre der
Bildbearbeitung, dass es aus dem heutigen Werkzeugkasten professioneller Fotografen,
Mediengestalter, Designer jeglicher Art absolut nicht mehr wegzudenken ist. Photoshop ist für uns so
wichtig, dass die Brüder John und Tom Knoll 2019 mit dem Oscar dafür ausgezeichnet werden.
Der Oscar wird nämlich von der Academy for Motion Pictures and Science verliehen.
Und in dieser Science-Sparte waren dann die beiden die Gewinner.
Man könnte also 1988 als den Startpunkt für die moderne Bildmanipulation festlegen.
Wären da nicht schon seit Jahrzehnten andere Meister am Werk.
Fotografinnen und Fotografen waren sich schon immer bewusst, dass sie die Wirklichkeit darstellen,
dass sie manipulierend eingreifen.
Wie das Bild im Endeffekt aussehen würde,
hing sehr von der Wahl der Mittel ab, mit denen fotografiert wurde.
Welche Chemikalien wurden verwendet, um den Negativträger zu bearbeiten?
Womit wurde belichtet? Womit wurde entwickelt?
Welche Objektive kamen zum Einsatz? Welchen Bildwinkel wählte man?
All das konnte man auch als Manipulation verstehen.
1903 schreibt Edward Stoichen, einer der großen,
einflussreichen Gestalten der Fotogeschichte, dass Fotografien von Anfang bis Ende eigentlich
nur als Fake verstanden werden können. Every Photograph is a Fake from start to finish.
Streichens große Leidenschaft galt der Fotografie als Kunst. Er organisierte Ausstellungen und war
Herausgeber eines der einflussreichsten Fotomagazine aller Zeiten Camera Works, von seinen eigenen
Arbeiten mal ganz zu schweigen und er war in der Bearbeitung seiner Bilder nicht zimperlich.
Viele ziehen ja eine Linie zwischen Fotos, wie sie in der Kamera entstanden sind und Bildern,
die dann später noch mal verändert wurden. Menden wir uns erstmal dieser späteren Veränderung zu.
In der digitalen Welt ist das ja ganz eindeutig voneinander getrennt. Ich mach das Foto in der
Kamera und wenn ich da jetzt einen JPEG erzeugt habe, bin ich sozusagen schon fertig. Ich kann
diese Datei weitergeben. Natürlich ist eine moderne Digitalkamera nichts anderes als ein
Computer und eigentlich hat diese Kamera dann schon basierend auf den Einstellungen,
die wir gemacht haben, diese Bilddaten irgendwie manipuliert und verändert und vielleicht habe
ich da auch schon Entscheidungen getroffen, die sagen wir mal verändernden Charakter haben. Aber
nehmen wir das mal alles auf die Seite, dann ist tatsächlich ja das Bild zunächst mal als Produkt
in Anführungsstrichen "fertig". Und Fotografinnen und Fotografen posten das dann gerne mit dem
Hashtag #SOOC oder #OOC für Straight Out of Camera auf Instagram und Co. und brüsten sich damit,
dass sie technisch das Gerät gemeistert haben, dass sie in erster Linie auf Licht und Farbe und
nicht zu sehr auf die Veränderung in Software geachtet haben. Diese Unterscheidung gab es
früher so nicht. Denn mit dem fotografierten Bild war ich ja mit nichten fertig. Damit hätte ich
gar nichts anfangen können. Als nächsten Arbeitsschritt musste das Bild ja entwickelt
und dann gedruckt werden. Das was wir heute manchmal als JPEG rumreichen war damals praktisch
das ausbelichtete Bild. Zwischen der Aufnahme in der Kamera und dem fertig in der Hand zu
halten im Bild waren eine Unzahl von Arbeitsschritten. Da musste erstmal der Film entwickelt werden. Schon
Schon die Wahl der Chemikalien, die Temperatur der Flüssigkeiten, die Dauer in den verschiedenen
Bädern hatte Einfluss darauf, wie körnig das Bild war, wie hell das Bild war, wie dunkel,
wie scharf, wie unscharf.
Also schon das war eine kreative Entscheidung.
Hatte man dann den Film fertig entwickelt, kam der nächste Arbeitsschritt.
Das Ausbelichten auf Fotopapier.
Und auch hier, welches Fotopapier?
Wie lange?
Welche Teile des Negativs dürfen wie lange ausbelichtet werden?
es diese Phase in der Meister der Fotografie, wie zum Beispiel der berühmte Landschaftsfotograf
Anselm Adams, seine wahre Meisterschaft zeigen. Denn der hat nicht einfach nur das Negativ,
so wie es in der Kamera war, genommen und einfach mal platt durchbelichtet, sondern Anselm Adams
entwickelte es zur Kunstform, mit Hilfe von sogenannten Abwedeln und Nachbelichten Teile
der Bilder aufzuhellen und abzudunkeln. Anselm Adams Kunst entstand in der Dunkelkammer,
wenn er seine Prints fertigte und sie entstand durch gekonnte Bildmanipulation. Aber wenigstens
so mag man einwerfen, haben die nichts hinzugefügt oder weggenommen. Naja, will man da antworten.
Tatsächlich ist es so, dass schon die allerersten Landschaftsfotografen damit zu kämpfen hatten,
dass das Medium, das sie einsetzten, nicht in der Lage war, gleichzeitig helle Himmelstrukturen und
dunkle Landschaftsstrukturen abzubilden. Wie sich die Fotografinnen und Fotografen damals behalfen
war, mehrere Aufnahmen zu machen, also eine Aufnahme des Himmels, eine Aufnahme der Landschaft
und diese dann in der Dunkelkammer übereinander zu legen.
Ja, wer in der Fotowelt zu Hause ist und in letzter Zeit eine Software namens Luminar gesehen
hat oder sich über die neuen Möglichkeiten von Photoshop himmelkünstlich in Bilder rein
zu montieren gefreut hat, der kann sich da erinnert fühlen.
Das ist eigentlich genau das gleiche, nur eben von Hand gemacht statt mit Hilfe von Software.
Und natürlich endete die Fähigkeit Bilder ineinander zu montieren, nicht bei Himmel und Landschaft.
Es gibt Fotos von denen tatsächlich jetzt erst entdeckt wurde, dass sie eigentlich Fotomontagen waren.
Ein prominentes Beispiel ist der Bürgerkriegsgeneral Ulysses S. Grant.
Ein Foto zeigt ihn nämlich angeblich, wie er auf einem Pferd 1865 seine Truppen inspiziert.
Jahrzehntelang, ja, nee, eigentlich über ein Jahrhundert lang glaubte man, diese Aufnahme
stammt von dem berühmten Bürgerkriegsfotografen Matthew Brady, zu dem kommen wir auch gleich
nochmal.
Der hatte nämlich nach seinem Tod seine Negative seinem Neffen LC Handy vermacht und er hatte
damit begonnen, Brücke davon zu fertigen und neu zu verkaufen und so auch diesen Druck
von Ulysses Grant.
Heute wissen wir, dieser Druck wurde so nie als eine Aufnahme gemacht, sondern ist eigentlich
eine Montage aus drei verschiedenen Aufnahmen.
Da gibt es einmal die Szene im Bürgerkriegslager, dann gibt es eine Aufnahme von dem Pferd
und den Oberkörper von Grant, der drauf montiert wurde.
Hat irgendwie niemand bemerkt.
Bis heute gibt es dieses Foto von Ulysses Grant ohne einen weiteren Hinweis auf die Manipulation.
Die Menschen glauben, dass es so gewesen sein könnte.
Und man könnte natürlich auch sagen,
wahrscheinlich hat er irgendwann mal Truppen inspiziert und vermutlich hat es so ähnlich ausgesehen
und überhaupt wen interessiert.
Aber wenn man sich da fragen, ist das dann eigentlich überhaupt noch Fotografie?
Behalten wir die Frage im Hinterkopf.
Gehen wir nochmal zurück.
Matthew Brady, der Bürgerkriegsfotograf,
der betrieb ein Fotostudio in New York am Broadway.
Wir haben im Februar 1860, als in diesem Studio eines der berühmtesten Porträts
des späteren US-Präsidenten Abraham Lincoln entsteht.
Abraham Lincoln wird zu Protokoll geben, dass er seine Präsidentschaft Matthew Brady verdankt.
Nicht mehr und nicht weniger.
Abraham Lincoln befand sich zu der Zeit im Wahlkampf und das Gerücht hatte um sich gegriffen,
er wäre hässlich wie die Nacht.
"Klein, von übergebeugt, gedrungen, lange Finger, Visung Gnom."
Und damit gab es eine Menge negative Presse
und negative Berichterstattung über sein angeblich furchtbares Äußeres,
statt sich mit der Frage zu beschäftigen,
ob er die junge Nation anführen könnte.
Und Abraham Lincoln wusste,
der einzige Weg, das zu ändern,
wäre, wenn er ein Gegenbeispiel schaffen könnte.
Wenn er ein visuelles Mittel finden könnte,
das Volk vom Gegenteil zu überzeugen.
Und Matthew Brady war der Mann, dem er dann sein Vertrauen schenkte.
Und Brady schritt zur Tat.
Er kürzte die Finger, sorgte dafür, dass das Bild aufrechter wirkte,
verlängerte den Hals,
glättete einige der Spuren in Abraham Lincolns Gesicht.
Ganz allgemein war es ein hervorragendes Porträt,
von dem ab da dann Zeichnungen um Prinz gefertigt wurden.
Und das ganz eindeutig den Gegenbeweis antrat,
Abraham Lincoln war gar nicht so hässlich.
Interessanterweise ist übrigens dieses Porträt von Abraham Lincoln nicht die einzige frontale Bildmanipulation, die wir kennen.
Es gibt ein anderes berühmtes Bild, wo Abraham Lincoln neben einem Tisch steht.
Es stammt auch aus den 1860ern, wurde allerdings von einem anderen Fotografen gefertigt.
Und in dem Fall wurde Abraham Lincoln's Kopf auf den Körper des US-Politikers John Calhoun montiert.
Netzterrasar sah schon sehr aufrecht und herrschaftlich aus und Linkelen wollte wohl auch so aussehen.
Durch die gesamte Geschichte der Fotografie wurden Fotos verändert. Mal mehr, mal weniger.
Wir können gar nicht fotografieren, ohne die Wirklichkeit anzupassen.
Jede Fotografie ist mindestens eine Interpretation der Wirklichkeit und im Grunde manipulieren wir Licht, Schatten, Ausschnitt
und manchmal noch viel mehr, um ein Ergebnis zu erzeugen, das wir gut finden.
Wir montieren heute lächelnde Gesichter, ändern Farben oder stempeln störende Elemente aus Bildern
raus. Gekonnte Bildbearbeiter konnten das seit über 100 Jahren ohne weiters auch in der Dunkelkammer
nachbilden. Ein populäres Beispiel ist die Bildmanipulation, die im Auftrag von Stalin
ihn das fand. Der war notorisch bekannt dafür, dass er frühere Weggefährten, die später zu
seinem politischen Gegnern wurden, aus historischen Fotografien entfernen ließ. Und wenn das hieß,
dass man Schulbücher neu drucken musste, ja dann wurden einfach Schulbücher neu gedruckt.
Aber wann ist sowas jetzt nun gut und wann ist es unredlich? Ich persönlich glaube,
die Linie verläuft beim Zweck der Fotografie. Ist der Anspruch ein journalistischer, dann sind
weniger Veränderungen akzeptabel, als wenn wir versuchen, eine künstlerische Aussage zu treffen.
Qualitativ gibt es natürlich einen gewaltigen Unterschied zwischen einem Bild in schwarz-weiß
umzuwandeln oder komplette Bildelemente aus anderen Aufnahmen einzufügen oder zu entfernen.
Vertrauen konnte man Fotografien jedenfalls noch nie. Sie fühlen sich so verdammt echt an,
aber verändern konnte man die schon immer.
In 20. Jahrhundert galt es manchen Fotografen als verwerflich Bilder zuzuschneiden.
Und um zu zeigen, dass die Bilder nicht zugeschnitten waren, druckten die die Bilder inklusive der
Standzungen außen rum, sodass man sehen konnte, das Negativ war unangetastet.
Nachbelichten und abwedeln?
Naja, nicht so schlimm.
Und vor allen Dingen unvermeidlich, denn man musste ja so oder so in die Dunkelkammer,
in der eben noch mal interpretiert wurde, wie das Bild denn nun aussehen würde.
Heute sind wir stolz, wenn wir straight out of camera Bilder produziert haben.
Naja, solange wir es nicht ausdrucken wollen
und solange uns egal ist, wie die Bilder auf unterschiedlich kalibrierten Monitoren aussehen
und solange es uns egal ist, dass Plattformen wie Instagram oder Facebook
unterschiedliche Farbdarstellungen wählen.
Aber dann ist es straight out of camera.
Nehm' ernst, das ist cool.
Es ist eine Errungenschaft.
So wie früher beim Filmeinlegen können wir heute einen Stil in der Kamera wählen.
Anders als früher beim Film müssen wir nicht mehr belichten.
Wir müssen nicht mehr ausdrucken.
Wir können, wenn wir wollen, an der Stelle fertig sein.
Lieben Dank und Shoutout an dieser Stelle an Erik Schlicksbier, der nicht nur den
großartigen Podcaststudio Kreativkommune, sondern inzwischen auch einen weiteren Podcast
analoge Angelegenheiten macht und mich zu dieser Folge überhaupt erst inspiriert hat.
Und dann möchte ich dem Jürgen für eine super nette Apple Podcast Rezension und Hörn statt
Lesen für eine Rezession auf Podcastetik danken. Ich freue mich immer, wenn ich von euch ein nettes
Feedback bekomme, sei es im Blog auf fotomenschen.net oder in einer der vielen Plattformen, wo man
Sternewertungen oder Review-Texte hinterlassen kann. Das ist super cool. Wer diesen Podcast gut findet
und unterstützen möchte, erzählt anderen, dass es ihn gibt. Empfehlt den Podcast, besprecht den
Podcast und lasst mich wissen, wenn ihr irgendwelche Themenwünsche habt. Bis bald!