Die 1850er Jahre in England sind für die Fotografie eine unglaublich wichtige Zeit.
Es formen sich die ersten Kameraklubs, Amateurvereine, in denen Bilder besprochen werden.
Und es tobt einen Streit.
Es tauchen nämlich die ersten Fotografinnen und Fotografen auf, die sagen,
Fotografie ist Kunst.
Und das geht ja gar nicht widersprechen, vor allem die Maler.
Denn erstens braucht es ja wohl keinen Können,
um einen automaten dazu zu bringen eine szene festzuhalten die dann zweitens ja schon existiert also nicht ausgedacht wurde und drittens so gar nicht idealisiert.
Überhaupt dieser letzte Aspekt, diese gnadenlose Darstellung der wahren Welt, das können wir uns heute überhaupt gar nicht mehr ausmalen, was für ein Paradigmenwechsel das war.
Besonders die Malerei, die man in der viktorianischen Zeit gewohnt war, war sehr idealisierend.
Es wurden keine Fehler im Gemälde geduldet, außer sie waren absichtlich oder Zeichen mangelnden Könnens.
Eine Fotografie bildet aber die Wirklichkeit ab.
ab. Und besonders die ersten Fotografen waren ja oft von akademischen und wissenschaftlichen Hintergrund
und fotografierten damit auch möglichst naturgetreu. Es ist die Zeit des Kolodium-Nassplatten-Verfahrens
und damit waren die Bilder auch tatsächlich relativ scharf und detailreich. Für die Malerinnen
und Maler der damaligen Zeit wirkten die Fotografien geradezu ordinär. Sie war beeindruckend im
Ergebnis und sehr nützlich, aber im Grunde eine Art Skizzenmaschine. Die Fotografie hatte also ein
gewisses Imageproblem und da half es auch nicht, dass die ersten Fotografien auftauchten, die
klassische Gemälde-Szenen nachahmten. Menschen, die in opulenten Gewändern vor Wandeppichen posierten
und in denen jedes Utensil im Bild eine Bedeutung trug. Das fanden viele nicht überzeugend,
Das wirkte nachgemacht. Fotos die versuchten wie Gemälde auszusehen. Pa! Und überhaupt,
Fotografien starten ja mit der existierenden Szene und man kann ja nur Dinge weglassen,
während ein Maler oder eine Malerin können sich eine Szene vorstellen und dann Schicht
für Schicht Dinge hinzufügen bis das Gemälde fertig ist. Das war eins der damals sehr weit
verbreiteten Killer Argumente, bei der Frage ist Fotografie Kunst. Und es ist das Argument,
das Oscar Gustav Reyländer hört, als er einem Freund eine seiner ersten Fotografien zeigt.
Reyländer kam 1813 als Sohn eines schwedischen Steinmetzes auf die Welt. Er studiert Kunst in
Rom und wandert dann später nach England ein. Als mit der Daguerreotypie das erste kommerziell
erfolgreiche fotografische Verfahren die Bühne betritt, ist Reyländer immerhin schon 26 Jahre
alt und ausgebildeter Maler. Nicht zuletzt, weil die Daguerreotypie in Großbritannien
Lizenzgebühren kostet, geht hier die Entwicklung einen völlig anderen Weg.
Hier wird dann auch das Kolodium-Nassplatten-Verfahren entwickelt. Das erste
Verfahren, das wirklich frei verfügbar war und bei dem man auf Glasplatten
Negative erzeugt, die dann beliebig oft in Drucke umgewandelt werden können.
Reiländer ist fasziniert von der Technik und lässt sie sich von einem damals
schon etablierten Fotografen zeigen. Was andere sich in mehreren Wochen Praxis
zeigen lassen, lässt er sich in ungefähr drei Stunden erklären. Er wird später aufschreiben,
dass er wünschte, er hätte etwas mehr Energie und Zeit verwendet, das Verfahren wirklich von
Grund auf zu lernen. So ist er später gezwungen, seine eigenen Verfahren, Tricks und Kniffe zu
lernen. Das ist natürlich vielleicht auch der Grund, warum er dann so erfolgreich sein wird.
Andererseits hat ihm das auch den Ruf eingebracht, nicht immer die Beste der möglichen
Qualitätsstufen zu erreichen. Anfangs sieht Rheinlander die Malerei nach wie vor als die
überlegene Kunstform. Er ist Porträtmaler, er macht Porträtminiaturen und er nutzt die
Fotografie, um Skizzen zu fertigen oder Posen und Faltenwurf und Gesichter zu studieren.
Besagter Freund bekommt also eine seiner ersten Fotografien zu Gesicht, eine Fotografie, die zwei
Personen zeigt. Und als die beiden Männer sich so über das Bild beugen und sich darüber unterhalten,
meint er abfällig, dass hier ganz offensichtlich deutlich wird, was der große Unterschied zwischen
Malerei und Fotografie wäre. Denn das Bild wäre unperfekt. Zwar zeigt es zwei Personen und die
in jedem nur erdenklich möglichen Detailgrad, aber als Maler hätte man für eine ausgewogene
Bildkomposition eigentlich noch eine Person in die Mitte gepackt. Und die Fotografie wäre
jetzt schon fertig. Man könne also nur eine völlig neue Fotografie erzeugen, aber nicht
nachträglich eine Person einbauen. Reiländer ist elektrisiert. Er hat eine Idee. Wenige Tage
Tage später verabredet er sich mit demselben Freund und bringt ein Bild mit.
Der wirft einen Blick darauf und traut seinen Augen nicht.
Reilander hatte ihm bewiesen, was er für unmöglich gehalten hatte.
Es war unzweifelhaft dasselbe Bild, das er wenige Tage vorher gesehen hatte, aber jetzt
mit einer dritten Person zwischen den zwei anderen.
Es geht eben doch, sagt Oskar triumfierend.
Auch Fotografen können Bilder im Kopf entstehen lassen.
Und auch Fotografen steht völlig frei, wie sie die Technik benutzen, um das fertige Bild zu erzeugen.
Das Medium der Fotografie ist noch ganz jung. Viele Fotografierende versuchen herauszufinden,
in welche Richtung sich alles entwickeln könnte. Und allerorten wird festgelegt, wie denn Dinge zu geschehen haben.
Was ist denn gute Fotografie? Was ist schlechte? Welche Techniken funktionieren?
Es formt sich, aber damals wie heute klingt es natürlich dann von den Leuten, die ihre Ideen verbreiten, so als wäre es Gesetz.
Und Oscar Rheinländer war diesen Einfluss noch nicht ausreichend lange ausgesetzt, sodass ihm das wahrscheinlich im Wesentlichen egal war.
Er blickt völlig frei aufs Medium und fragt sich, was er damit anfangen kann.
Und da lohnt es sich auch ganz kurz nochmal drüber nachzudenken, wie Kolodium-Nasplattenverfahren funktionieren.
Man braucht dazu natürlich zunächst mal eine Kamera, und zwar eine Kamera, die mindestens
so groß ist, dass sie das Bild in der gewünschten Zielgröße aufnehmen kann.
Stellen wir uns also eine Kiste vor, die hinten ein A4 großes Blatt Papier enthalten kann.
Vorne ist ein Objektiv und den ganzen Kasten kann man wie eine Ziehharmonika auseinander
und wieder zusammenschieben.
Das ist notwendig, um die schärfen Ebene zu kontrollieren, also auf die richtige Stelle
im Bild scharf schalten zu können.
Beim Kolodium-Nassplatten-Verfahren legt man allerdings hinten kein Papier ein, sondern
man legt eine Glasscheibe ein.
Die wird in einer Dunkelkammer erst mit Kolodium beschichtet und dann mit einer Silber-Nitrat-Lösung
lichtempfindlich gemacht.
Die dann noch feuchte Glasscheibe muss dann in die Kamera eingelegt werden und wird dann
nach erfolgter Belichtung noch feucht fertig entwickelt.
Was man bekommt ist ein Negativ.
Auf der Glasplatte ist also ein Bild, in dem alle hellen Teile der Szene schwarz dargestellt
werden und alle dunklen Teile der Szene weiß. Weiß auf Glas heißt an den dunklen
Stellen der Szene ist das negativ durchsichtig. Und das war die erste Idee,
die Reilander dazu brachte, Bildbestandteile miteinander zu kombinieren.
Ihm ging nämlich auf, dass an diesen durchsichtigen Stellen natürlich Nahtstellen
sind, die man später beim Druck nicht mehr sehen würde. Der Druck ist nämlich
der nächste Arbeitsschritt. Um aus dem Negativ ein Positiv, also ein fertiges
Bild zu machen, nimmt man jetzt die Glasplatte, spannt sie mit einem lichtempfindlichen Papier
zusammen und setzt beides der Sonne aus.
Danach wird das Bild gewaschen und fixiert und fertig ist das Positivbild.
Denn alle die Stellen, die negativ die Sonne blockieren, sind auf dem fertigen Bild ja
dann weiß und alle die Stellen, die die Sonne durchlassen, werden schwarz.
Je länger man das Bild in der Sonne lässt, desto dunkler eben.
Im ersten Schritt kommt also Reiländer auf die Idee, die verschiedenen Bildbestandteile
einzeln voneinander aufzunehmen, dafür zu sorgen, dass sie von möglichst dunklen Szenelementen
umgeben sind und die dann für den Druck gezielt zusammen zu montieren.
Aber das war nur der Anfang.
Er beginnt mit Vergrößerungen zu experimentieren.
Also salopp formuliert, positive nochmal abfotografieren.
Nur mit entsprechender Vergrößerung.
Er deckt Teile der Negative gezielt ab.
malt andere Reihen, spielt mit den verschiedensten Dunkelkammertechniken und montiert die Bilder
zusammen, zum Teil mit sehr verblüffenden Ergebnissen.
Immer mit dabei und als Technikerin wahrscheinlich seine wichtigste Mitarbeiterin ist seine Frau
Mary.
Schon als er noch Maler war, nahmen sie ihm eine Menge administrative Aufgaben ab.
Jetzt als Fotograf ist sie seine Assistentin in der Dunkelkammer, sein häufigstes Fotomodell,
Kundenbetreuerin und Geschäftsführerin im Hintergrund.
Längst nicht all seine Fotografien sind Montagen.
Tatsächlich ist der hauptsächliche Kundenstamm ganz klassisch an Porträts interessiert.
Reiländer hat außerdem ein persönliches Interesse an inszenierten Kinderporträts.
Das ist ein Genre, das besonders im viktorianischen Zeitalter blüht und gedeiht.
Kinder werden in allen möglichen Posen dargestellt und abfotografiert, oft in Gegenwart der Eltern.
Und das ist auch der Grund, warum gerade aus der Zeit sehr viele Kinderporträts,
gerade auch von den großen Fotografen und Fotografen erhalten sind.
Namen wie "Juliet Margaret Cameron" sind untrennbar mit mal mehr, mal weniger inszenierten
Kinder- und Söcklingsporträts verbunden.
Der Mathematiker, Schriftsteller und Fotograf Lewis Carroll, ja, der Lewis Carroll, der
alles im Wunderland geschrieben hat, freundet sich mit Raelander an und fängt an, seine
Kinderporträts zu sammeln.
Später wird Lewis Carroll selbst Kinderporträts machen.
Und der Stil Reilanders kommt so stark durch, dass es später manchmal nicht ganz klar sein wird, ob ein noch erhaltenes Bild eigentlich von Lewis Carroll oder von Oscar Reilander gemacht worden war.
Und auch Julia Margaret Cameron wird mit ganz eindeutig von Oscar Reilander inspirierten Gemälden berühmt.
Sie verkehren in denselben Kreisen, sie kennen dieselben Leute, sie haben zum Teil dieselben Freunde und fotografieren dieselben Berühmtheiten ihrer Zeit.
Aber auch wenn Oscar Rylender hauptsächlich Portraits macht, haben manche Portraits Eigenschaften,
die es zu der Zeit eigentlich gar nicht geben dürfte.
So erregt zum Beispiel das Bild "The Juggler", der Jongleur, aufsehen, weil dort ein Jongleur
zu sehen ist mit Bällen in der Luft.
Und das konnte natürlich nur eine optische Illusion sein, denn mit mehreren Sekunden
Belichtungszeit lassen sich Bälle in Bewegung nun mal nicht einfangen.
Aber das Bild sieht täuschend echt aus.
Zu der Zeit traut man Rylender allerdings inzwischen schon fast alles zu.
Heute nennt man Reiländer den Vater der künstlerischen und inszenierten Fotografie.
Und der Grund dafür ist ein Bild, das er 1857 macht, das den Titel "The Two Ways of Life"
trägt.
Wenn man dieses Bild zum ersten Mal sieht, kommt es einem wie ein barockes Gemälde vor.
Es ist inspiriert, im Aufbau zumindest, von einigen berühmten Malereien, die der junge
Reiländer, als er in Rom Malerei studiert hat, wahrscheinlich im Original gesehen hat.
Und bevor ich jetzt erkläre warum dieses Bild eine Kontroverse und einen Skandal ausgelöst hat und was da weiter passiert ist, möchte ich es ganz kurz beschreiben.
An der Stelle lohnt sich auch kurz der Blick aufs Handy Display. Mit etwas Glück kannst du das Bild jetzt dort sehen.
Das muss von deinem verwendeten Podcatcher unterstützt werden. Ansonsten besuche einfach die Webseite, da werde ich es auch mit einbetten.
Das Bild ist im Panorama Format. Es war für die damalige Zeit ungewöhnlich groß.
Mit über 80 cm Breite wussten Sachkundige sofort, dass dieses Bild aus mehreren Bestandteilen bestehen musste.
Aber man konnte nicht sehen aus welchen Bestandteilen.
Es zeigt eine Szene, in der eine Menge los ist.
In der Mitte steht ein alter Mann.
Er scheint einen Jüngling in die Szene hinein zu begleiten.
Den Jüngling sieht man zweimal, einmal zu seiner linken und einmal zu seiner rechten Seite.
Und damit ist die Bildaufteilung auch schon klar.
Links im Bild geht der Pogo ab.
Diverse Todsünden werden hier bildlich dargestellt.
Und es gibt viel nacktes Fleisch.
Rechts geht es wesentlich Gesitte dazu.
Da geht es um die Pflege von Kranken und Gebrechlichen, um die Wissenschaften.
Und damit ist auch klar, was das Bild darstellt, nämlich die Wahl, die der Jüngling hat,
nämlich ein Leben in Tugend oder eines in Laster zu führen.
Von oben hängen Theatervorhänge ins Bild.
Der Mann mit dem Jüngling hat hinter sich eine Art undurchdringliches Waldstück.
Und die zwei Optionen das Leben zu führen scheinen in der Stadt innerhalb von Architektur
stattzufinden.
Das Bild strotzt nur so vor Symbolik.
Allegorie war ein Riesending bei den Malern der damaligen Zeit und natürlich durfte das
in einem Foto, das versuchen wollte mit Kunst zu konkurrieren, auch nicht fehlen.
Oskar Gustav Reilander stellt dieses Bild aus und begeistert und entsetzt seine Zeitgenossen.
begeistert deswegen, weil er etwas geschafft hatte, das für unmöglich gehalten worden war.
Er hatte Monate an diesem Bild gearbeitet.
Über 32 Negative wurden für dieses Bild zusammen montiert
und trotzdem sah es wie eine einzige Aufnahme aus.
Dass es das nicht sein konnte, war sehr offensichtlich, wenn man den Jüngling sah,
denn der tauchte ja zweimal in dem Bild auf.
Allein den Druck zu fertigen kostete mehrere Tage Arbeit,
Denn die einzelnen Bestandteile mussten zunächst vergrößert, dann zusammen montiert und dann
als ein großes Bild ausbelichtet werden.
Reilender fertigte jeden Druck neu an.
Das heißt, jedes Exemplar sah ein bisschen anders aus.
In manchen war er selbst der alte Mann in der Mitte des Gemäldes, in anderen war es
ein Schauspieler.
Die Figuren variieren, es sind unterschiedliche Models, die Szenen, die Positionen.
Im Netz fand ich mindestens drei verschiedene Varianten und es macht schon Spaß die Unterschiede
und Gemeinsamkeiten zu entdecken.
Diese Montage zu sehen war beeindruckend.
Es gibt ja den Satz "Kunst kommt von Können" und Können war einer der Aspekte, den man
Fotografinnen und Fotografen damals gerne abgesprochen hat.
Schließlich hielten sie fest, was die Natur ihnen bot und danach war es doch "nur Technik".
Rheinländer nun schaffte etwas, das nicht nur für unmöglich gehalten worden war, sondern
von denen die Zeitgenossen erstmal nicht wussten, wie sie es nachmachen können.
Dann war das Bild zum besten gefüllt mit Symbolik.
Das griff das zweite Argument an.
Kunst entstünde nämlich zunächst im Kopf des Künstlers oder der Künstlerin.
Sie muss Aussage haben, Ideen vermitteln, gelesen werden können, etwas vorher nicht
dagewesenes, neu geschaffenes zeigen.
All diese Aspekte waren in diesem Bild sehr offensichtlich vorhanden.
Und trotzdem sah es wie eine Fotografie aus.
Dieser vorhin schon erwähnte schockierende Detailreichtum kam natürlich besonders auf
der Hälfte des Bildes zum Tragen, wo es um die Sünden und Laster ging.
Und da sind wir beim Skandal.
Zwar hatte man in der viktorianischen Zeit kein Problem mit Nacktheit.
Gemälde konnten gerne Frauen barbusig in allen möglichen Posen auch mal lüstern darstellen.
Aber die dann sozusagen in the flesh zu sehen und zu wissen, dass der Fotograf, die im Studio
gehabt hatte, produzierte einen unerhörten Skandal.
Dazu kam noch, dass allen, die dieses Bild sahen, bewusst war, dass keine Frau von Tugend
sich freiwillig vor einer Kamera nackt ausziehen würde.
Die Frauen im Gemälde waren also ganz offensichtlich Prostituierte.
Es ging also hoch her, in den Fotoklubs, in den Kunstzirkeln der damaligen Zeit wurde
heiß diskutiert.
Und viele waren sich einig, dass Oscar Reilander eigentlich fast schon zur Person anon Grata
erklärt werden müsste.
Nur eine Person sah das damals spontan anders.
Eine Person, die von Anfang an begeisterte Fotografin war und deren Urteil nicht ignoriert
werden konnte.
Queen Victoria.
Sie hatte schon ab der Einführung der Daguerre Typi Interesse an der Fotografie gehabt und
galt als eine erfahrene Hobbyfotografin.
Sie und ihr Ehemann hatten beide eine ausgebaute Dunkelkammer, beschäftigten mehrere Fotografen
als Hoffotografen und gingen dem Hobby in ihrer Freizeit auch selbst mit Begeisterung
nach.
Außerdem traten sie als Metzene auf und kauften Werke, die sie bemerkenswert fanden.
Genau das passierte mit Reiländers schockierenden Two Ways of Life.
Queen Victoria erfuhr davon, sah es, war begeistert und beschloss einen Druck dieses
Werkes für ihren Mann zu kaufen.
Als Geburtstagsgeschenk.
Der war so begeistert davon, dass er es in seiner Private Study aufhing, wo es bis zu
seinem Tod blieb.
Und ja, was gut genug für Queen Victoria ist, kann natürlich für alle anderen Fotografierenden
nicht schlecht sein. Sie hatte sich freilich nicht dazu geäußert, ob das Werk nun Kunst
wäre oder nicht, aber schund konnte es natürlich jetzt auch nicht mehr sein.
Spannend finde ich, dass die Fragen, die damals mit so viel Hitze diskutiert und debattiert
wurden, dieselben Fragen sind, die wir heute immer noch finden. Ich meine, Reiländer brauchte
immerhin mehrere Tage oder im Falle von The Two Ways of Life mehrere Wochen und trotzdem
Fragen sich Leute, ob etwas Kunst sein kann, was eigentlich nur einen Moment festhält.
Damals wie heute gibt es diese Liebe zum Vergangenen.
Rylander markiert den Anfang einer Periode, die in der Fotografiegeschichte Pictorialism
genannt wird.
Einem Trend, in dem versucht wurde, Bilder zu schaffen, die möglichst wie Gemaltes aussehen
sollten oder wenigstens die Themen von Gemälden nachahmen sollten.
Im einfachsten Fall waren es inszenierte Fotografien wie "The Two Ways of Life",
aber später dann wurden ausgefeilte Techniken angewandt, um die Drucke wirklich aussehen
zu lassen, als wären sie Kohlezeichnungen. Da wurde auf dem Material rumgekratzt, es wurde
Sepia eingefärbt, es wurden Stellen gezielt scharf oder unscharf gemacht, um den Eindruck
von Pinselstrichen zu vermitteln und das Medium versuchte nicht nur in die Vergangenheit, sondern
auch in die Zukunft zu schauen. Und sei es, indem man einfach so abstrakt wurde, dass man nicht mehr
genau wusste, was das Bild zeigt. Und was machen wir heute? Im einfachsten Fall versuchen wir
nostalgisch so auszusehen wie die Fotografien der letzten 30 Jahre, in denen wir Kornreihen drehen
und Filmsimulationen einschalten. Andere wiederum nehmen die Mittel der Software zu Hilfe und lassen
komplette Gemäldesimulationen fertigen. Da wird die Fotografie zum Ölgemälde, das Fotoobjekt zum
stilisierten Pinselstrich oder wir nehmen Photoshop und montieren wie die wilden.
Und zeitgleich entdecken in jeder Generation Fotografin und Fotografen die Leute wieder aufs
Neue, dass es einen Streit darum gibt, ob das was sie da machen nun Kunst oder Handwerk ist.
Wurde die Linie damals zwischen Malerei und Fotografie gezogen, zieht man sie heute zwischen
Digital Artist und Content Creator. Ich glaube Oscar Reilander wäre stolz auf uns.
Two Way of Life war sein beeindruckendstes und in Rückschau sicherlich berühmtestes
Bild, aber das kommerziell erfolgreichste war es nicht.
Dafür war es einfach zu aufwendig und irgendwann stellte er auch dann die Produktion von Drucken
für dieses Bild ein.
Immer mehrere Tage in der Dunkelkammer rumzumontieren war dann einfach nicht mehr wirklich praktikabel.
Außerdem war er zu neuen Ufern aufgebrochen.
Der berühmte Forscher Charles Darwin hatte sich bei ihm gemeldet.
Charles Darwin untersuchte zu der Zeit die Emotionen von Tieren und Menschen.
Es kam ihm darauf an, zu dokumentieren, wie wir uns ausdrücken.
Welche Gesten und Grimassen ziehen wir je nach Befindlichkeit?
Das wollte er festhalten.
Dafür brauchte er einen Fotografen, der in der Lage war, die verschiedensten Mimiken
einzufangen.
Er gab Reiländer praktisch eine Shotlist vor.
Wütend, traurig, fröhlich und so weiter.
Emotionen hatten auch andere berühmte Zeitgenossen damals schon einzufangen versucht.
Aber mit dem Kolodium-Nasplatten-Verfahren mit mehreren Sekunden Belichtungszeit war
das natürlich schwer, besonders wenn man das einigermaßen spontan aussehen lassen
wollte.
Und Reiländer galt als jemand, der unvergleichlich gut darin war, genau diese spontanen Eindrücke
festzuhalten.
Nicht weil die Bilder so spontan gewesen waren, sondern weil er anscheinend wirklich
gut darin war, mit seinen Models zu arbeiten.
Er war bekannt als jemand, der lustig und charmant sein konnte.
Und viele seiner Aufnahmen drücken einen für die Aufnahmen damaliger Zeit ungewöhnlichen
Humor aus.
Es gibt Bilder, wo er mit seiner Frau Mary ganz offensichtlich rumalbert.
Und er war bekannt dafür, dass er Kinder natürlich posieren und fotografieren konnte.
Gut gelaunt.
Das ist ja gerade bei kleinen Kindern nicht unbedingt leicht.
Insbesondere dann nicht, wenn man ihnen beibringen muss, dass sie dann auch noch mehrere Sekunden
in einer bestimmten Position verharren müssen.
Die Fotografien von Julia Margaret Cameron zeigen ja auch oft Kinder.
Und die meisten Bilder, die ich bisher so gesehen habe, zeigen ziemlich genervte Kinder.
Ich versuche mir dann immer auszumalen, wie wohl diese Fotosessions abliefen.
Jedenfalls galt Reiländer als jemand, der das wie kein anderer beherrschte.
Und trotzdem muss er geschluckt haben, als er in der Shotlist, die ihn Darwin überreichte,
unter anderem ein weinendes Kleinkind fand.
Er sollte ein Kleinkind fotografieren, das die Welt gerade geschmeidig zum Kotzen findet.
Und die haben jetzt nicht unbedingt gerade Verständnis dafür, wenn sie sich ruhig halten
sollen.
Überhaupt vielleicht noch bei Schmerzverzerrt aufgerissen im Mund.
Und das ist dann auch tatsächlich das berühmteste Bild, das Reiländer in seiner Karriere produziert
hat.
Es zeigt ein sitzendes, inbrünstig heulendes Kleinkind.
Und nach einem zu der Zeit populären satirischen Roman heißt es Jinx Baby.
Und es kombiniert alles, was Reiländer zu der Zeit an Fähigkeiten angesammelt hatte.
Wie er das Baby zum Weinen gebracht hat, weiß ich nicht.
Aber ich weiß, dass er zu einer ganzen Reihe Tricks griff, um diese Aufnahme überhaupt
möglich zu machen.
Und dass er dann in der Dunkelkammer seine malerischen Fähigkeiten rauskramte, um die
doch sehr unzureichende Vergrößerung dieses weinenden Babys zu einer glaubwürdigen großen
Aufnahme zu machen.
Wieder hat er ein Bild gemacht, von dem die damaligen Kollegen dachten, es wäre so eigentlich
nicht möglich und Charles Darwin hatte seine vollständige Palette an Mimikfotos.
Die für sich übrigens auch schon sehenswert sind, zeigen sie doch Rylender und seine Frau
Mary in den unterschiedlichsten Grimassen.
Von Lachen über ärgerlich bis verzweifelt bis wütend, alles dabei.
Während seiner 24 Jahre dauernden Karriere als Fotograf schreibt Rylender diverse Texte.
Unter anderem verteidigt er eben die Fotografie und ihren Anspruch als Fine Art.
Er gilt als der Vater der künstlerischen Fotografie.
Nicht nur, weil er als einer der ersten Aufnahmen inszenierte, die opulent waren, die originell
waren, die allegorisch waren, die Gedanken transportierten, die er zunächst in seinem
Kopf und seinen Skizzenbüchern formierte, bevor er sie als Fotograf festhielt, sondern
auch weil er weiter dachte und die verschiedenen Medien, die er kannte,
auf bis dahin ungewöhnliche Art und Weise kombinierte.
Er ist einer der ganz frühen Piktorialisten
und berühmte Namen wie Julia Margaret Cameron oder Lewis Carroll
sind so unzweifelhaft von ihm beeinflusst,
dass bis heute Aufnahmen mit seinen verwechselt werden.
Und trotz all des Wirbels war es auch damals schon schwierig,
als Fotograf kommerziell erfolgreich zu sein.
Einerseits verkauft Ryländer ja einen Druck an Queen Victoria und produziert mehrere Aufnahmen,
die zu seinen Lebzeiten berühmt wurden.
Aber reich wird er damit nicht.
Als er 1875 im Alter von 62 Jahren stirbt, übernimmt seine Witwe Schulden und einen
Laden, der nicht läuft.
Der Fotoklub, in dem Ryländer hauptsächlich Mitglied war, die Royal Photographic Society
of London, fühlt sich seiner Witwe und seinem Nachlass verpflichtet und kauft einige seiner
Negative.
Damit gehen viele seiner Werke auch verloren oder in verschiedenen Sammlungen auf.
Und obwohl kaum ein Fotograf so einflussreich in dieser Zeit gewesen sein dürfte wie er,
verschwindet er zunächst in der Bedeutungslosigkeit.
Und bis heute ist es so, dass bei seinem Namen die Leute zunächst auf Julia Margaret Cameron oder Lewis Carroll stoßen.
Und dass, obwohl Julia Margaret Cameron wahrscheinlich ihre Dunkelkammer-Fähigkeiten
zum Teil mit Negativen von Reiländer geübt und gelernt hat und Lewis Carroll seinen Bildstil
von seinen Bildern abgeleitet hat.
Fotomenschen
Was ist Kunst, was nicht? Ab wann ist es Kunst, wann nicht?
Kommt Kunst von Können? Kommt Kunst von Absicht? Kommt Kunst vom Zufall? Ist man Künstler,
weil man sich so nennt oder weil andere die Werke bereit sind zu kaufen? Welche Rolle spielt
das Nachahmen von Vorangegangenen? Bei der Produktion von diesem Podcast entdecke ich
immer wieder aufs Neue, dass wir seit Anbeginn der Fotografie dieselben Fragen diskutieren und
eigentlich immer wieder bei denselben Positionen ankommen. Rai Lender jedenfalls war ein ungewöhnlich
kreativer Kopf, er war ein sehr humorvoller Mensch und er hat Dinge geschaffen, die bis heute
nachwirken, ohne dass sein Namen den Ruhm erreicht hätte, den er eigentlich verdient hätte.
Wir werden ihm noch öfter begegnen. Wir werden noch über Julia Margaret Cameron und über Louis
Carroll, über Clementina Harwarden oder über Queen Victoria sprechen oder über John Herschel.
Und bei keinem dieser Namen können wir es lassen, auch mal kurz über Oscar Gustav Freiländer zu
Wer jetzt neugierig geworden ist, mehr über das Thema lesen oder sehen möchte, dem seien
die Notizen zur Sendung auf fotomenschen.net empfohlen. Übrigens lohnt sich da auch die
Suchfunktion ganz gut, denn mit einigen Episoden Versatz kommen ja auch immer wieder die Transkripts
meiner vergangenen Podcastfolgen nach und dadurch lässt sich ganz gut in vergangenen Folgen graben.
Ja und wer dann schon auf meiner Webseite unterwegs ist, ich freue mich immer über Kommentare,
Hinweise, Feedback, gerne auch mal in Form einer Sternewertung auf iTunes zum Beispiel,
Wink Wink. Oder vielleicht magst du mich ja in meiner virtuellen 3D-Ausstellung besuchen.
Ansonsten war das Jahr jetzt hier Folge 48. Wir nähern uns der Jubiläumsfolge 50. Ich habe
inzwischen schon einiges an Fragen und Audio-Grüßen bekommen. Wer da noch mit dabei sein möchte,
ja nichts wie los. mail@fotomenschen.net auf twitter unter @fotomenschen auf instagram
bin ich unter @dirkbrimms und auch sonst findet man eigentlich eine menge wege wie man mit mir in
kontakt treten kann also falls die jetzt genannten nicht reichen sollten. vielen dank fürs auch diese
woche wieder zuhören wer das projekt unterstützen möchte empfiehlt es weiter und ansonsten bleibt
gesund bis bald