Als auch Richard Jeprisson mit 97 Jahren 2004 stirbt, hat er die Welt bereist, den Fotojournalismus
revolutioniert, einst der einflussreichsten Grundlagenwerke der Fotografie formuliert,
einige der wichtigsten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts fotografiert und auch haderte
er bis zum Schluss damit, wie die Welt ihn sehen wollte.
Was sagen Sie den Menschen, die Sie "die größte Fotografin des 20. Jahrhunderts" nennen?
Scheiße.
Das ist eine politische Frage.
Ich glaube nicht, dass es eine politische Frage ist.
Ich sage Bullshit.
(lachen)
(Klickgeräusche)
(Dynamische Musik)
Fotomenschen.
Auf der Straße fotografieren, das alltägliche dokumentieren,
das ist ein Hobby, dem gehen mehr und mehr Menschen nach.
Street Photography, Candid Photography.
Die Idee, dass sich Sehenswertes und Schönes im Alltag finden lässt.
sich in der Community um entdeckt man dann oft auch eine Art Standardstil, der sich durchgesetzt
zu haben scheint. Viele fotografieren gerne in schwarz-weiß, manche sogar noch analog.
Kameras, die klein und unauffällig sind, sind beliebt. Messsucherkameras und Festbrennweite
mit 35 oder 50 mm Brennweite sind der Goldstandard. Und auf die Frage, was sie da tun,
antworten viele. Sie erzählen Geschichten in einzelnen Bildern. Sie warten auf den
entscheidenden Moment, den Decisive Moment, ganz so wie Henri Cartier-Bresson oder wie
Kennerinnen und Kenner ihn nennen würden, HCB. Dass er allerdings so einen Ruhm erreicht hat,
sagt mindestens so viel über uns aus wie über ihn und war in Zeit seines Lebens zuwider.
Sicherlich hat er sich über die Anerkennung gefreut und natürlich war es bequem, dass seine
Ausstellungen gut besucht waren. Aber er hätte sich schon mal nicht als Künstler bezeichnet und der
Hype um seine Person war ihm so zuwider, dass er sein Gesicht bedeckte, wann immer bei einem
öffentlichen Anlass die Leute anfingen Schnappschüsse von ihm zu machen.
Und ganz allgemein darf man wahrscheinlich festhalten, dass wir ihn sehr einseitig sehen.
Zum Beispiel wird er kaum als Maler wahrgenommen und das obwohl er die letzten 30 Jahre seines
Lebens seine Leica überwiegend in einem Safe verwahrt hat und gegen Pinsel und Leinwand
tauschte.
Er zeichnete, illustrierte und malte und kehrte damit ein Stück weit zu seinen Anfängen zurück.
Auch Ricard de Bresson selber teilte sein Leben in zwei große Blöcke ein.
Die Zeit vor seiner Kriegsgefangenschaft und die Zeit nach seiner Kriegsgefangenschaft.
Die ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts sind fotografisch unglaublich fruchtbare Jahre.
Unter anderem auch deswegen, weil es sehr viele Konflikte und Umwälzungen auf der Welt gibt,
die man fotografisch festhalten kann.
In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts ist der Faschismus in Europa auf dem Vormarsch.
Ereignisse wie der spanische Bürgerkrieg werfen lange Schatten voraus.
Und Fotograf*innen wie Gerda Taro, André Cartes, Robert Copper, Margaret Bourg-White
beginnen genau in dieser Zeit mit ihrer Arbeit.
Aber deren Leben startet oft etwas ruppiger als Henri's.
Der wird nämlich in eine wohlhabende Textilfabrikantenfamilie hineingeboren.
Sein Vater wünscht sich eigentlich, dass Henri das Familiengeschäft übernehmen wird
und in seine Fußstapfen steigen wird.
Henri wiederum ist von seinem Onkel inspiriert und möchte Maler werden.
Musiker wäre auch okay.
Auf jeden Fall alles, nur nicht Taxifabrikant.
Henri wird schon immer als starrsinnig und manchmal auch aufbrausend beschrieben.
Und seine Eltern sind wohl tolerant.
Sie finanzieren seinen Start in die Zukunft, die er sich ausgemalt hat.
Und so studiert er 1927 im Alter von 19 Jahren ein Jahr lang an einer privaten Kunstakademie.
Der Skulptur und Maler André Lotte pockt klassische Bildkomposition in seine Studenten
und macht regelmäßige Exkursionen in den Louvre, um dort die großen Meister zu studieren.
Und Orrys Tage sind gefüllt mit Malerei und Literatur.
Er liest Dostoyevsky, Schopenhauer, Nietzsche, Freud, Hegel, Engels, Marx.
Und wie viele im Kunstbetrieb der damaligen Zeit zieht sich der junge Orry als Kommunist.
Sein Lebensstil und seine Herkunft mag da nicht so ganz dazu passen.
Immerhin finanzieren ihm seine Eltern eine Künstlerausbildung.
Und der Name Cartier-Bresson öffnet regelmäßig Türen.
Und so versteckt Henri seinen Namen hin und wieder auch und nennt sich nur noch Henri Cartier.
1928 beginnt er ein Studium in Cambridge.
Kunst, Literatur und die englische Sprache haben es ihm angetan.
1930 endet sein Studium und er muss als Rekrut für die französische Armee einrücken.
Und dort war er das, was man im Englischen ein Oddball nennt.
Über der Schulter sein Gewehr, unterm Arm James Joyce Ulysses.
Ein Roman, den er so liebt, dass er ihn überall hin in einer zerlesenen Kopie mitnimmt.
Gleichzeitig trägt er das Verhalten und Gehabe einer Familie gehobenen Standes und die Denkweise eines Kommunisten.
Das ist eine explosive Kombination und so hat er auch diversen Ärger im Militär.
Aber nicht wegen Aufmüpfigkeit, sondern wegen so Dingen wie unerlaubten Jagens.
Als ihn seinen Kommandant dafür in Haft nehmen will, bekommt Ori Hilfe von unerwarteter Stelle.
Der Kommandant hat nämlich einen Gast, Sohn einer reichen britischen Bankerfamilie und
Weltkriegsveteran.
Und der schlägt nun vor, dass Ori zur Strafe sein Fahrer sein soll, statt im Knast zu sitzen.
Und der Kommandant stimmt zu.
Die beiden Männer freunden sich über die nächsten Tage an und es ist auch Harry, der
Ori Cartier-Bresson seine erste Kamera schenkt.
Harry stellt Ori auch seiner Frau Caress vor.
Und Ori wird Teil der offenen Beziehung der beiden.
Die Affäre mit Caress ist eine sehr prägende und als sie 1931 endet ist Henri am Boden
zerstört.
Harry hatte sich eineinhalb Jahre zuvor das Leben genommen und Henri hat jetzt das Gefühl,
dass ihn nichts mehr hält.
Und so packt er seine Sachen und beschließt sein Glück im französisch kolonialisierten
Afrika zu suchen.
Das markiert auch einen Punkt, den seine Eltern jetzt nicht mehr mitgetragen haben,
er muss sich also selbst versorgen.
Er reist nach Afrika und verdient sich seinen Lebensunterhalt als freier Jäger.
Er fotografiert auch in Afrika, aber aus der Zeit sind gerade mal sieben Fotos noch erhalten.
In Afrika kriegt er erst Malaria und dann als Komplikation davon das sogenannte Schwarzwasserfieber,
dass er beinahe nicht überlebt.
Ihm geht es so schlecht, dass er selbst davon überzeugt ist, dass er seine Heimat nicht
wiedersehen wird und seinem Großvater einen Brief mit seinem letzten Willen schickt.
Als klar ist, dass er nicht sterben wird, aber die Versorgung daheim dann doch deutlich
besser sein würde, kehrt er nach Frankreich zurück.
Er holt sich in Marseille.
Noch sieht er sich selbst nicht als Fotograf.
Er sieht sich als Maler, der hin und wieder auch mal gerne fotografiert.
Bis zu dem denkwürdigen Tag, an dem er eine Fotografie des ungarischen Fotojournalisten
Martin Munkaxi sieht.
Er zeigt drei junge afrikanische Jungs, die in eine Welle rennen.
Sehen fast wie Silhouetten aus und das Bild zeigt eine enorme Dynamik und Freude.
Henri sieht in der Aufnahme etwas, das er bisher nur in Fotografien möglich dachte.
Er wird später immer wieder sagen, dass es diese Aufnahme war, die ihn davon überzeugte,
dass man in Fotografien genauso ausdrucksstark arbeiten könne wie in Malerei.
Es ist der Startpunkt seiner eigenen Fotophilosophie.
Es zeigt ihm, dass die Fotografie einen Augenblick für die Ewigkeit festhalten kann.
Wir haben die 30er Jahre, es ist der Siegeszug der Leica Kameras.
Und so geht Oren in den Laden und kauft sich eine Leica mit 50mm Objektiv.
Ein System, mit dem er jahrzehntelang fotografieren wird.
Es ist eine kleine Kamera, sie ist unauffällig und Ori sagt mehrmals scherzhaft, dass er
in seiner Zeit als Jäger im afrikanischen Busch ein oder zwei Dinge darüber gelernt
hat, wie man sich seiner Beute unbemerkt nähert.
Und er wird zu einem Meister dieser Kunst.
Seine Kamera ist zum Teil silbern und so übermalt er sie zum Teil schwarz, um sie noch unauffälliger
zu machen.
Ist wahrscheinlich ein bisschen so wie die Leute, die heute mit einem schwarzen Klebeband
das Leica-Logo abkleben.
Von Anfang an richtet Henri seine Kamera auf den Alltag der Menschen um ihn herum.
Gute Fotografien sind gefragt in der Zeit.
Man kann seine Arbeiten bei verschiedenen Magazinen und Zeitungen platzieren.
Und so beginnt seine Zeit als Fotosch journalist.
Er reist nach Berlin, Brüssel, Budapest, Warschau und organisiert erste Ausstellungen.
Es ist auch in dieser Zeit, dass er zwei später sehr wichtige Bekanntschaften schließt.
und die lesen sich wie das Who is Who der damaligen Fotografen-Gilde.
Er freundet sich mit Robert Douanot an, lernt den späteren Robert Copper, damals noch André
Friedmann und Gerda Taro kennen und freundet sich mit dem polnischen Intellektuellen und
Fotografen David Chim an, den alle nur Chim nennen, weil sie den "richtigen" Namen
nicht aussprechen können, der sich dann später in den USA als David Samo ein Namen machen
wird.
Es ist auch diese Zeit, in der er sich auch für die aufstrebende Filmbranche interessiert.
Schauspieler, Regieassistent, Regisseur bis hin zu seiner eigenen Filmproduktion.
Aber so richtig will ihn die Filmbranche dann doch letztlich nicht packen.
Als im September 1939 dann der zweite Weltkrieg ausbricht, tritt Henri seinen Dienst bei der
französischen Armee als Corporal an und zwar in der Film- und Fotodivision.
Er dreht Dokumentation, er macht Fotografien und wird 1940 dann während dem Westfeldzug
von den Deutschen gefangen genommen.
Kurz bevor sie ihn fassen, vergrabt er noch seine Leica, die zu dem Zeitpunkt schon seit
mehreren Jahren sein täglicher Begleiter und sein wertvollster Besitz ist.
35 Monate ist er jetzt in Kriegsgefangenschaft und muss für die Nazis Zwangsarbeit leisten.
Eine Zeit, über die er nicht viel erzählt, außer dass er immer wieder versucht zu entkommen.
Zwei Ausbruchsversuche scheitern und werden jeweils mit Einzelhaft bestraft, der dritte
schließlich gelingt.
Er schafft es einen SS-Offizier zu bestechen, der ihm gefälschte Unterlagen besorgt und
mit mehreren seiner Mit-Häftlinge auszubrechen.
Die Flucht glückt, er kehrt zurück nach Frankreich.
Er gräbt die seit drei Jahren auf ihn im Erdreich wartende Leica wieder aus und knüpft
an, wo er vor dem Kriegsbeginn stehen geblieben war.
Denn man kannte ihn inzwischen als Reportagefotograf.
Er hatte für Magazine wie "Life", aber auch für das kommunistische Blatt "Cessoir"
regelmäßig Fotostrecken erarbeitet. Seine Bekannteste hatte damals für Aufregend gesorgt.
Er war zur Krönung von King George angereist. Anders als alle anderen hatte er seine Kamera
aber nicht auf die königliche Familie und die Zeremonie gerichtet, sondern das Volk,
die Briten fotografiert. Das mag vielleicht auch daran gelegen haben, dass als Franzose
das britische Königshaus nicht ganz so spannend ist oder die Briten einfach skurril wirkten.
Aber ganz eindeutig sieht man da schon den Henri Cartier-Bresson durchblitzen,
den wir dann später in seinen berühmtesten Aufnahmen sehen.
Und die Bilder kommen an.
Sie werden gedruckt und begründen seinen Ruf als herausragenden Fotosch journalisten.
Als er erfolgreich den Nazis entkommt, schickt sich deswegen gerade das MoMA,
das Museum of Modern Art in New York an, dem, wie Sie glauben, verstorbenen,
berühmten Fotosch journalisten Henri Cartier-Bresson eine posthume Ausstellung zu widmen.
Als der sich bei ihnen meldet, muss das "Hallo" groß gewesen sein.
Und aus der Posthuben-Ausstellung wird eine aktuelle Werkschau.
Eine riesige Ausstellung mit gigantischem Erfolg.
Und das ist auch der Schwung, den er dazu benutzt, mit seinen Freunden Robert Copper,
David Samor und George Roger, die bis heute berühmteste und erfolgreichste journalistische
Bildagentur der Welt, Magnum Fotos zu gründen.
Die Vision stammte wohl hauptsächlich von Robert Copper.
Dem war nämlich die Abhängigkeit der Fotografin und Fotografen der damaligen Zeit von großen
Magazinen ein Dorn im Auge.
Die Magazine diktierten den Preis, die Magazine vergaben die Aufträge und die Magazine entschieden
oft darüber, was in welcher Form zusammengestellt wurde.
Dem wollte Robert Copper etwas entgegensetzen.
Robert Copper war der mit dem ausgeprägten Geschäftssinn von den Vieren.
Und so riet er seinem Freund Euricard de Bresson dazu, die Liebe für die Malerei für sich
zu behalten.
"Achte auf die Labels, die dir die Menschen geben", soll er ihm gesagt haben.
"Die sind schnell dabei, dir eins zu verpassen und du wirst da nie wieder los."
Wenn die dich plötzlich den Surrealist unter dem Fotografen nennen, bist du verloren.
Nimm lieber das Label "Fotoschornalist" und behalte das andere für dich.
Und Henri hielt sich dran.
Fotoschornalist.
Die Region, die er sich bei Magnum Fotos sicherte, war Indien und Asien.
Und diese Region war in Aufruhr.
So war Ori in Indien als Gandhi ermordet wurde.
Er hatte kurz zuvor noch ein Interview mit ihm gehabt und eins der letzten Porträts gemacht.
Manchmal liest man, er hätte das letzte Porträt gemacht.
Aber ich glaube, das allerletzte Porträt Gandhis hat dann doch Marguerite Bourque-White
gemacht, die zur selben Zeit in der Stadt war.
Ob sich die beiden begegnet sind, vielleicht sogar bei ihren Terminen bei Gandhi, weiß
ich nicht.
Aber es war nicht die erste Gelegenheit, bei der Ori jemanden kurz vor dessen totporträtierte.
So machte er zwei Jahre zuvor das letzte Foto von Alfred Stieglitz.
1962, drei Monate vor dessen Tod, war er der letzte offizielle Fototermin, den William
Faulkner wahrnahm.
Und 1960 hat er kurz vor ihrem Tod Marilyn Monroe vor der Linse.
Das heißt allerdings nicht, dass er dafür ein Händchen hat.
Das heißt einfach nur, der Mann war wirklich gefragt und fiel unterwegs.
Die Fotos, die er jedenfalls von den Tagen nach Gandhis Ermordung heimbringt, gehen um
die Welt.
hat Henri sich nicht um die Reichen und Mächtigen gekümmert, sondern das Volk fotografiert.
Und die Aufruhr und die Trauer der Menschen ist in seinen Bildern deutlicher zu sehen
als in vielen anderen Aufnahmen, die seine Kollegen machen.
1949 reist er nach China.
Dort herrscht Bürgerkrieg.
Er bleibt 12 Monate im Land und dokumentiert die letzten 6 Monate der abgesetzten Regierung
und die ersten 6 Monate der neu unter Mao gegründeten People Republic of China.
Von China reist er nach Indonesien und dokumentiert den Freiheitskampf und die Auflehnung gegen
die Holländer.
Und so weiter, und so weiter.
Cartier-Bresson folgt dem typischen Pfad eines Fotoschornalisten.
Seine Fotografien dokumentieren Weltereignisse, Krisen, porträtieren die Mächtigen genauso
wie das Volk.
Was dabei aber heraussticht, ist, dass seine Arbeiten oft auch die kleinen, orts- und ereignisunabhängigen
Momente enthalten.
Er macht Schnappschüsse vom Alltag, auch wenn er daheim in Paris ist und dort zum Beispiel mit seinem Freund Robert Douanot durch die Straßen zieht.
Und außerdem fällt auf, mit welcher Präzision seine Bilder komponiert sind.
Er ist von der Ausbildung her klassischer Maler und so baut er auch seine Fotografien auf.
Ihm kommt es nicht nur auf den präzisen Moment an, den er fotografisch festhält, auf die Geschichte, die sein Bild seiner Meinung nach erzählt.
Nein, er möchte auch, dass die Geometrie, wie er es nennt, seiner Aufnahmen stimmt.
Er hat ein geschultes Auge und ist geradezu religiös, was die Bearbeitung seiner Fotos
angeht.
Beziehungsweise die Nicht-Bearbeitung seiner Fotos.
Nicht mal zuschneiden darf man die.
Und auch das hat sich bis heute erhalten.
Es gibt unter modernen Straßenfotografen auch die, denen schon das Zuschneiden von Bildern
zu viel Eingriff ist.
Obwohl, eines seiner berühmtesten Fotos, nämlich die Aufnahme eines Mannes, der von einer Leiter
abspringt um eine Pfütze zu bequeren ist tatsächlich zugeschnitten. Ori hatte die
Aufnahme durch einen Lattenzaun hindurch gemacht und im Original ist der Lattenzaun
noch unscharf zu sehen. Aber wenn überhaupt dann sollte uns das einfach nur beibringen,
dass wir gerne selber Regeln aufstellen können, aber uns an die auch nicht
schlafisch halten sollten. Bei Marken und Fotos jedenfalls ist Ori dafür bekannt,
dass seine Bilder nicht zugeschnitten werden und dass sie eine geradezu makellose Komposition
haben. Man kann Linien ziehen und klassische Prinzipien darin entdecken.
Und Ori ist auch gnadenlos bei der Beurteilung anderer Fotografen Arbeit.
So dreht er negative, bevor er sie sich anschaut, gerne auf den Kopf, damit er vom
Inhalt des Bildes nicht abgelenkt wird, sondern sich rein auf die Geometrie der
Aufnahme konzentrieren kann. Und sein Urteil ist manchmal vernichtend.
Fotografen-Egos können zerbrechlich sein und Ori nimmt darauf keine Rücksicht.
Überhaupt konnte Oury ein recht unangenehmer Zeitgenosse sein. Er übte sich zwar in
Unauffälligkeit, er konnte sich im Hintergrund halten und völlig unbemerkt bleiben und dabei
auch noch fotografieren, aber wenn er sich einmischte, dann in aller Regel ohne besondere
Diplomatie. 1952 gibt er ein Buch heraus "Image à la Suvette", das bis heute eines der berühmtesten
Fotobücher aller Zeiten sein dürfte. Der Titel heißt eigentlich so viel wie "Bilder im Vorbeigehen"
oder heimliche Bilder. Die englische Ausgabe bekommt den Titel "The Decisive Moment".
Will man sich heute eine Original-Ausgabe dieses Buches kaufen, muss man mindestens 800 für ein
Solala erhaltenes und um die 2000 Euro für ein hervorragend erhaltenes Exemplar auf den Tisch
legen. In dem Buch sind 126 Aufnahmen von Ori. Das Cover wurde von einem anderen Ori,
nämlich Henri Matisse gestaltet.
Aber das Kernstück, ja der vielleicht wichtigste Teil dieses Buches,
ist ein 4500 Worte langer philosophischer Aufsatz.
Der Kernsatz stammt dabei noch nicht mal von ihm, sondern von Cardinal de Re.
Der schrieb im 17. Jahrhundert, es gibt nichts auf dieser Welt,
das nicht einen entscheidenden Moment hätte.
Und Henri-Gardier-Bresson überträgt diese Idee auf die Fotografie.
Es ist nämlich, so sagt er, dieser entscheidende Moment, auf den es ankommt.
In jeder Folge von Ereignissen, so sagt er, gibt es diesen Augenblick, in dem etwas abgeschlossen
ist und etwas Neues noch nicht angefangen hat.
Wenn man diesen Augenblick perfekt mit der Kamera abpasst, dann bildet sich die dazugehörige
Geschichte bei dem Betrachtenden im Kopf.
Beherrscht man sein Werkzeug dann noch gut genug, dass das Bild im Sucher eine ordentliche
Komposition hat, dann kommt dabei vielleicht sogar ein gutes Bild heraus.
Ori selbst sieht sich dabei nicht als irgendwie besonders begabt.
Er sagt, die Hauptaufgabe eines Reportagefotografen ist,
Dinge zu sehen, an denen andere vorbeigehen würden
und dann mit wenigen Millisekunden Verzögerung auch den Auslöser zu drücken.
Das wäre die praktische Seite der Fotografie.
Und natürlich, so sagt er, natürlich ist es immer Glück.
Ein Künstler ist die Konzeption eines 19. Jahrhunderts.
Was ist das alles?
Ich bin ein Künstler.
Ich meine, um aus einer Mediokritik zu kommen, bin ich ein Künstler. Was bedeutet das?
Er mag es nicht besonders, wenn Leute sich Künstler nennen. Er sagt, Künstler zu
sein ist eine Erfindung der gehobenen Schichten des 19. Jahrhunderts. Und wer
sich Künstler nennt, versucht eigentlich nur, sich aus der Masse der Leute
herauszuheben. Dabei sind wir doch eigentlich alle nur
Menschen. Im Herzen war Ori immer ein Maler geblieben und auch mit der Kamera
malte er. "One paints while one is taking a photograph" war etwas, das er einmal
gesagt hatte. Und der Unterschied zwischen Malerei mit der Kamera und Malerei mit
Pinsel oder Bleistift war für ihn, dass die Kamera einem keine Zeit liest, das
Bild komplett zu verstehen. Das ist etwas, das er auch dann später sagt. Als er
wieder zur Malerei zurückkehrt, sagt er, es ist wie Meditation. Es ist Zeit, die
man sich nimmt, um ein Bild zu schaffen und Zeit ist Luxus. Es ist immer
unüblicher Zeit zu haben und sich Zeit zu nehmen und ein Bild wirklich mit Zeit
Zeit zu gestalten ist etwas besonderes. Es ist jedenfalls seine Philosophie, die für
viele den entscheidenden Unterschied macht. Henri Cartier-Bresson verblüfft seine Mitmenschen
damit, dass er innerhalb von Bruchteilen eines Augenblicks perfekte Kompositionen mit der
Kamera festhält. Das macht er aber auch nicht von ungefähr. Er ist dafür bekannt, dass
er zu jedem Zeitpunkt seine Kamera in der Hand zu haben scheint und permanent den Fokus
verstellt. Diese Leica-Kameras sind ja manuelle Kameras, es gibt also keinen Autofokus. Aber
Aber für Ori ist es kein Problem, denn in dem Augenblick, in dem er ein Foto machen
will, hat er die Kamera bereits richtig eingestellt, weil er sie eben permanent richtig einstellt.
Außerdem kann er nach Jahrzehnten der Arbeit mit seiner Leica und einem 50mm Objektiv auch
ohne Suche mit schlafwanderischer Sicherheit einschätzen, was im und außerhalb des Frames
sein würde.
Ich würde damit sagen, es ist auch kein Zufall, dass Ori Cartier-Bresson eine so große Menge
großartiger Fotografie schaffen konnte.
Natürlich hatte er Talent.
Aber dann kam dann noch eine rigorose
Ausbildung in klassischer Bildkomposition,
eine Leidenschaft fürs Medium,
Beobachtungsgabe und Angewohnheiten,
die dafür sorgten, dass er immer
bereit war, abzudrücken.
Und dann war es auch noch schiere Menge.
In den drei Jahren, die er in Asien
verbrachte, machte er drei große
Reportagen auf 850 Rollen
Film. Und wir reden hier von jemanden,
der eben nicht zehnmal
auf den Auslöser drückt, um sich hinterher das beste Bild aussuchen zu können.
Sondern wir sprechen hier von einem Fotografen, der stolz darauf war,
nur abzudrücken, wenn er wusste, dass das Foto eine Komposition hatte,
mit der er zufrieden sein würde.
Trotzdem sind das über 10.000 Bilder pro Jahr.
Das macht in den etwa 47 Jahren,
die er aktiv als Fotograf arbeitete, knapp eine halbe Million Fotografien.
Von denen kennen wir ein paar Hundert, die paar Hundert besten Fotos,
die er gemacht hat.
Seine Zeit bei Magnum ist jedenfalls die Zeit, die bis heute prägt, wie wir uns HCB oder
Henri Cabré vorstellen.
Es ist die Zeit, in der er die Welt bereist, um Reportagen zu machen, große Ausstellungen
plant, sich mit The Decisive Moment ein Denkmal setzt und Magnum Fotos zu einer Agentur von
Weltrang macht.
Die Agentur ist inzwischen deutlich gewachsen.
Fotografinnen und Fotografen von Weltrang tragen regelmäßig bei.
Namen wie André Cartes, Eve Arnold, Philipp Holzman, Elliot Irvitt und viele mehr begründen
bis heute ihren Ruf.
1967 trennt sich Ory von seiner Frau, mit der er zu dem Zeitpunkt 30 Jahre lang verheiratet
war.
1968 geht seine Zeit bei Magnum Fotos zu Ende.
Die vertreten ihm bis heute als Bildagentur, aber aktiv trägt er ab jetzt nicht mehr bei
und gibt seine Geschäftsverpflichtungen ab.
Er möchte nicht mehr Fotograf sein.
Er ist 60.
Er hat 40 Jahre lang fotografiert. Zeit mal was Neues zu machen.
Er packt seine Leica daheim in den Safe und tauscht sie gegen Papier, Bleistifte, Leinwand und Pinsel.
1970 heiratet er die 30 Jahre jüngere Martin Frank.
Er hatte die Fotografin bei Magnum Fotos kennengelernt.
Zwei Jahre später kommt die kleine Melanie zur Welt.
Die Familie zieht in eine geräumige Wohnung in Sichtweite zum Louvre.
Masaurier die Möglichkeit gab, jeden Tag wenn er das wollte, die Gemälde der großen Meister studieren zu gehen.
gehen. Fotografiert wird in dieser Zeit höchstens noch als Familienschnappschuss und nicht mehr für
die Öffentlichkeit oder für Magnum. Hin und wieder gestaltet er eine Ausstellung oder besucht
Ausstellungen, die ihm zu Ehren veranstaltet werden und freut sich diebisch, wenn ihn dort
dann niemand erkennt. So gibt es die Anekdote, dass er 1978 einmal spät zu einer seiner eigenen
Ausstellungen kam und am Eingang vom Sicherheitspersonal aufgehalten wurde, weil Kameras in der Ausstellung
verboten waren und er eine dabei hatte. Was seine Bilder angeht, hatte Henri ein gesundes
Selbstvertrauen, er wusste schon, dass seine Bilder gut sind, aber er hielt sie auch nicht
besser als die einiger seiner Kollegen. Und tatsächlich gibt es gerade in der Zeit einige
Fotografinnen und Fotografen, die, ganz so wie er, ihre Kamera auf den Alltag und auf
die Menschen auf den Straßen richten. Es ist eine Strömung, die auch oft humanistische
Fotografie genannt wird und insbesondere in Paris und den USA Erfolge feiert. Viele arbeiten
mit ähnlichem Werkzeug und Steam mitteln wie Henri. Auch sie fotografieren schwarz-weiß,
auch sie fotografieren mit Leica und 50mm Objektiv. Und einige haben mit Henri dieses
unglaubliche Gespür für die spontane Komposition und den besonderen Moment gemeinsam. Was ich
damit sagen will ist, wir stellen Henri Cartier-Bresson oft auf einen Sockel. Wir tun so, als wenn seine
Werke einzigartig sind. Und sie sind toll, sind was besonderes. Aber in der Zeit gab es einige,
die mit ihm mithalten konnten und die ganz ähnliche Fotografien schufen.
Er war sich dessen bewusst und er wusste auch, dass Robert Copper mit seinem Ratschlag
Recht gehabt hatte. Die Menschen sind schnell dabei Labels zu vergeben und wenn man erst mal
so ein Label trägt, dann schüttelt man das auch nicht mehr so einfach ab.
Ich bin extrem dankbar für diese Exhibition und die Reaktion des Publikums.
Ich bin sehr bewegt.
Aber gleichzeitig fühle ich mich süßlich, freundlich, verbreitet,
zu einer Art Myth, zu jemandem, der nicht wirklich mich selbst ist.
[Musik]
Mehrere Sachen fallen auf, wenn man sich mit Henri Cartier-Bresson beschäftigt.
Erstens, der Mythos ist gigantisch.
Man kann ihm als Figur nicht entgehen, sobald man sich mit Straßenfotografie beschäftigt.
Zweitens, die meisten Menschen kennen von ihm vielleicht drei bis fünf Bilder
Bilder und glauben dann zu wissen, wie sein Gesamtwerk aussieht. Dass da Bilder von Konflikten,
von Gewalt, von klassischen fotoschandalistischen Motiven, Porträts von berühmten Persönlichkeiten
darunter sind, ist längst nicht mehr allen bewusst. Hinzu kommt, dass es einen Kanon von
Henri Cartier-Bresson Zitaten gibt, der ihnen nicht allgegenwärtig ist. Welcher Fotoanfänger hat nicht
schon mal von dem Satz gehört, deine ersten 10.000 Bilder sind deine schlechtesten? Und auch ich habe
zwei Lieblings-HCB-Zitate. Einmal "Natürlich ist es immer Glück, weil es so schön ausdrückt,
wie er selbst auf seine Arbeit blickte." Und das zweite ist eigentlich weniger ein Zitat,
sondern eher eine Anekdote. Er wurde mal gefragt, wie er denn seine Fotos macht. Und er hat
geantwortet "Keine Ahnung, ist nicht wichtig." Dann fällt auf, wie sehr er auf die Fotografie
reduziert wird, obwohl er eigentlich die Hälfte seines Lebens mit Malerei zugebracht hat. Und dann,
Last not least finde ich auch noch spannend, dass Henri immer wieder mal und meiner Meinung
nach mit Recht als Fotograf der Fotografen bezeichnet wird. Er hat nicht zuletzt durch
sein Buch "The Decisive Moment" verändert, wie Fotografierende Menschen über das Fotografieren
nachdenken. Und wer sich heute Street Photographer nennt, der meint ihn als Vater des Genres zu
kennen. Aber außerhalb unserer Community wird es dann sehr schnell sehr dünn, obwohl er so einen
mächtigen Einfluss hatte. Und jetzt zum Abschluss noch wer mehr über Henri Cartier-Pressent
Arbeit und sein Leben erfahren möchte. Ich habe natürlich wieder die
Quellen für diese Episode verlinkt. Mit am wichtigsten waren für mich diesmal
drei Bücher die ich verwendet habe. Einmal die offizielle Biografie von
Pierre Arsoulin geschrieben, dann ein Bildband den ich bei Schimmer und Mosel
gekauft habe mit einer von Henri selbst ausgewählten Auswahl seiner seiner Meinung nach wichtigsten
Fotografien und dann noch das ganz großartige Buch "Bystander" in dem Joel Meyerowitz und
Colin Westerbeck die komplette Geschichte der Straßenfotografie erzählen. Links zu den
Büchern und zu einigen online Quellen und Beispielen für Fotografien gibt es aber außerdem
natürlich wie immer in den Notizen zur Sendung. Wer die nicht in seinem Podcatcher sieht,
einfach auf fotomenschen.net vorbeisurfen und den aktuellen Beitrag aufmachen.
Wer dann da schon mal ist, ich freue mich auf jeden Fall über Feedback zur Sendung.
Enrique de Bresson ist einer der ganz großen und eine der Geschichten, für die ich jetzt
etwas länger gebraucht habe, bevor ich mich ran getraut habe.
Ansonsten, wem der Podcast gefällt und wer das Projekt unterstützen möchte, der erzählt
es weiter.
Ich bin nicht kommerziell, ich verdiene kein Geld mit meinen Podcasts.
Feedback auf der Webseite oder als Kommentar bei Apple Podcasts oder ein Ping auf Twitter
unter @fotomenschen macht eine riesen Freude und ist sowieso besser als der schnöde Mammon.
Und damit erstmal wieder lieben Dank für eure Zeit, bleibt gesund und bis bald.