Edward Steychen gilt als der einflussreichste Fotograf des 20. Jahrhunderts.
Er hat das meistverkaufte Fotobuch aller Zeiten herausgebracht,
einen Ausstellungskatalog der meistbesuchten Ausstellung aller Zeiten,
er hat einen einzigen Film als Regisseur verantwortet, der dann auch gleich noch einen Oscar gewonnen hat
und mehr als nur eine Karriere in der Fotografie hinter sich gebracht.
Dabei war Fotografie noch nicht mal das einzige, was er in seinem Leben gemacht hat.
hat.
Fotomenschen
Edward Steichen wird am 27.
März 1879 in Luxemburg geboren.
Da war er allerdings nur kurze Zeit, denn seine Eltern mussten aus wirtschaftlichen Gründen
das Land verlassen und beschlossen in die USA zu emigrieren.
Er war 15, als er sich seine erste Boxkamera kaufte und das erste Foto, das er je geschossen
hat, ist eine Aufnahme seiner Schwester.
Die Kamera würde ihn sein Leben lang begleiten, aber zunächst dachte er eigentlich, er würde
entweder Drucke oder Maler werden.
Er macht eine Ausbildung zum Lithographen und beschließt Kunst in Paris zu studieren.
Kurz bevor er aufbricht, hält er sich noch in New York auf und lernt dort den schon erfolgreichen
und einflussreichen Fotografen Alfred Stieglitz kennen.
Damals wie heute wurde die Frage, ob Fotografie denn eigentlich Kunst sein könnte, heiß diskutiert.
Und es gab eine Bewegung unter Fotografen, Bilder zu schaffen, die wie Gemälde aussahen.
Wem das jetzt bekannt vorkommt, ja, das ist nicht das erste Mal, dass der sogenannte Piktorialismus aufkommt.
Schon die ersten großen Fotografen und Fotografen versuchten, in ihren Gemälden der Malerei nachzueifern.
Stiegels, Streichen und Zeitgenossen, also die neuen Piktorialisten,
sahen sich dabei in Konkurrenz zu einer anderen Schule der Fotografie.
Es gab nämlich auch die Fotografin und Fotografen, die darauf pochten,
dass Bilder scharf und adäquate Abbildungen der Realität sein mussten.
Während also Fotografen wie Ansel Adams damit beschäftigt waren,
möglichst scharf und präzise kalkulierte Bilder zu produzieren,
wackelten Pictorialisten gezielt am Stativ,
um dem Bild eine gewisse Unschärfe zu geben
oder entwickelten eigene Druckverfahren,
um dem Bild eine malerische oder zeichnerische Anmutung zu geben.
Edward Steichen reist dann auch tatsächlich nach Europa weiter und tritt sein Studium
in Paris an.
Er lernt das "Who is Who" der französischen Kunstszene kennen und schmiedet mehrere einflussreiche
lebenslange Freundschaften.
Außerdem wird er so eine Art früher Jet-Setter.
Immer wieder besteigt er Dampfschiffe, um den Atlantik zu überqueren und trägt so zum
Regenaustausch zwischen der europäischen und der amerikanischen Kunstszene bei.
1903 stellt ihm die Fotografin Gertrude Kälsebier Clara Emma Smith vor, eine junge Sängerin,
die er heiratet und mit der er mehrere Kinder hat.
Edward Steychen verdient seinen Lebensunterhalt bereits mit Auftragsarbeiten jeglicher Art,
sowohl in der Malerei als auch in der Fotografie.
Seine Kontakte und frühen Fotografen von berühmten Künstlern im Paris helfen ihm dabei, neue
Aufträge an Land zu ziehen.
Er hat sich bereits etabliert als jemand mit einem ungewöhnlichen Blick und ist bekannt
dafür, dass er eine ungewöhnliche Bandbreite an fotografischen Fähigkeiten besitzt. So macht
er Porträts, Stillleben, Auftragsarbeiten für die Industrie und gilt als einer der
frühesten Vertreter der Fashion-Fotografie. Als der Erste Weltkrieg ausbricht, sehen sich
die Stichens gezwungen, wieder in die USA zu emigrieren. Er meldet sich freiwillig zum
Militärdienst. Als der etablierte Fotograf, der er ist, bekommt er den Auftrag, eine
eine fotografische Abteilung aufzubauen und die technischen Verfahren zu standardisieren.
Er entwickelt besonders kleine, leicht aufzubauende Dunkelkammern, standardisiert die Filmformate,
die die französischen, britischen und amerikanischen Einheiten verwenden, hilft dabei, die Kameratechnik
zu perfektionieren, die für Luftaufnahmen und Aufklärung verwendet wird und legt technologische
Grundsteine, die bis heute gelten.
Aus dem Krieg zurückgekehrt und inzwischen geschieden, konzentriert sich Stelchen auf
fotografische Laufbahn. Er heiratet ein zweites Mal. Diese Ehe mit Dana Despoor Glover wird 34
Jahre lang bis zu ihrem Tod halten und seine glücklichste Beziehung sein. 1926 macht er
internationale Schlagzeilen, als er sich mit den amerikanischen Behörden um die Definition
eines Kunstwerks streitet. Gegenstand des Streits war eine Skulptur "Bird in Space", die er von einem
Freund gekauft hatte. Die Zollbehörden sahen darin eher eine Art Küchenutensil und weigerten
sich, den Gegenstand als Kunst anzuerkennen. Eine Diskussion, die sie schließlich vor Gericht
mit Edward Steichen fortführen mussten und die Steichen für sich entschied. Der Nebeneffekt
dabei war, dass Edward Steichen damit die Definition von Kunst nach amerikanischem Recht
grundlegend verändert hatte. Es ging also nicht nur ums Prinzip, sondern auch wieder um die
grundlegende Frage was ist Kunst? Inzwischen hatte Stichen schon mehrere Ausstellungen organisiert,
sowohl Malerei als auch Fotografie war sein Thema und ging ineinander über. Als Teil der
Fotovereinigung Photosession, Mitarbeiter bei Stieglitz einflussreichen Camera Works Magazins,
als etablierter Kunstsammler und Künstler hatte er inzwischen so einiges an Autorität. Es sind diese
Jahre wo er anfängt mit der einflussreichen Kontenastgruppe zusammenzuarbeiten. Auf der einen
Seite produziert er Werbefotografie, auf der anderen Seite wird er von Conté Nast beauftragt,
Fashion-Fotografie zu machen. Und es sind diese Jahre, die ihn zum bestbezahlten Fotografen der
Welt aufsteigen lassen. Er prägt und verändert den Stil der damaligen Zeit und inzwischen sind
seine Fotos auch immer seltener pictorialistische Fotos und immer öfter abstrakte, aber scharfe und
realistisch abgebildete Aufnahmen. Wenn er nicht fotografierte oder malte, war er mit seiner
Schwester beschäftigt, neue Pflanzenarten zu züchten.
Beide teilten eine Leidenschaft für die Botanik und hatten damit begonnen,
insbesondere Rittersporn-Varianten zu züchten, die es bisher so nie gegeben
hatte. Edward Steichen und seine Schwester sind aber mehr als Hobby-Genetiker. Ihre
Pflanzen, so sind sie überzeugt, sind nicht weniger als lebende Kunstwerke. Und so
organisiert Edward Steichen 1936 in Zusammenarbeit mit dem Museum of Modern
Art eine Ausstellung rund um den Rittersporn, eine Pflanzenart, die sie besonders oft züchteten.
Und diese Ausstellung war ein Erfolgstreffer. Das Museum sah Rekordbesucher zahlen. Menschen
waren enthusiastisch. Sowohl Museumsgänger, Züchter oder Hobbygärtner hatten ihre Freude an
der sehr ausgefeilten und künstlerischen Präsentation dieser Pflanzen. Tag für Tag wurde
LKW-weise Pflanzmaterial zum MoMAA angefahren. Und Edward beschäftigte sich nach dem Kuratieren
dieser Ausstellung dann außerdem mit der Dokumentation und machte eindrückliche,
wunderschöne Aufnahmen dieser Pflanzen. 1941 kommt es zum Angriff auf Pearl Harbor. Edward
Steichen ist zu diesem Zeitpunkt 62 Jahre alt. Trotzdem lässt er es sich nicht nehmen,
sich wieder freiwillig für den Militärdienst zu melden. Eigentlich ist er zu alt, aber Edward
steichen hat Kontakte. Und so beauftragt er ihn die US Navy eine
fotografische Einheit aufzubauen. Ein Auftrag den er nur zu gerne annimmt.
Er baut diese fotografische Einheit auf und nimmt auch an Kriegshandlungen teil.
Gleichzeitig findet er aber die Zeit zwei Ausstellungen militärischer
Aufnahmen zu machen. Antikriegsaufnahmen. Er will die Horror des Krieges zeigen und
damit Menschen aufrütteln. Außerdem dreht er noch auf dem Flugzeugträger, dem er
einen Dokumentationsfilm, den einzigen Film, den er je verantwortet hat.
Und diese Dokumentation bekommt auch prompt dann im darauffolgenden Jahr einen Oscar verliehen.
Als der Krieg vorbei und Edward Steichen wieder zurück in den USA war, war er 67 Jahre.
Viele würden in so einem Alter wahrscheinlich an die Rente denken.
Für Edward Steichen beginnt jetzt aber eine Zeit, die die erfolgreichste und krönende
seines Lebens sein würde. Er bekommt das Amt des Direktors für die
die Fotografische Abteilung im MoMA angetragen.
Ein Posten, den vor ihm überhaupt nur eine Person bisher gehabt hatte.
In dieser Rolle war man nicht nur verantwortlich für fotografische Ausstellungen, sondern auch
Kurator des Museums.
Und es ist diese Rolle, in der Edward Streichin einige der berühmtesten Fotografen und Fotografen
dieser Zeit mit verewigt.
Namen wie Robert Frank, Dianne Arbus, Dorothea Lange, Lee Miller oder Stephen Shore.
Er kuratiert 44 Ausstellungen während seiner Amtszeit.
Alle für sich genommen Erfolge, aber eine, mit dem er sich selbst, der Fotografie, dutzenden
Fotografen und Fotografen und der Menschheit selbst ein Denkmal setzt.
Hörme ihm kurz zu, was er selbst dazu sagt.
Ich hatte das Gefühl, oder rather Hoffnung, dass, wenn die Menschen wirklich gesehen haben,
was die Welt in ihrer Bestialität und Brutalität war,
das ein Verletzungsrecht war und die Menschen reichten.
Hier bezieht er sich auf seine Anti-Kriegsausstellungen, die er noch während dem Zweiten Weltkrieg gemacht hatte.
Er hatte die Hoffnung gehabt, dass die Menschen von Kriegsbildern abgeschreckt würden, dass sie sehen würden, wie unmenschlich und grausam Krieg ist
und dadurch davon überzeugt werden würden, dass Krieg mit allen Mitteln verhindert werden müsste.
Die Leute kamen zur Ausstellung, dachten sie waren sehr interessant.
Manchmal sah man jemanden mit einem Tear in den Augen, aber alle waren weg und vergessen alles.
Und der Grund für das hat mich plötzlich verknüpft, dass das die Idee von einem negativen Standpunkt
ansteht. Und von einem negativen Standpunkt, dass nichts wirklich gut ist.
Also, ich dachte darüber, ich sagte, nein, von einem positiven Standpunkt,
ich sollte zeigen, was eine wunderbare Sache Leben ist und wie Menschen überall im Welt
Das hat sich in der Familie der Mannes-Exhibition enthüllt.
Und als er darüber nachdachte, kam er zu dem Ergebnis,
dass das Hauptproblem war,
dass Ausstellungen mit Kriegsfotografie das Thema negativ angehen.
Und nichts, sagt er, das man negativ angeht,
hat jemals was Gutes hervorgebracht.
Und so wollte er eine Ausstellung machen,
die genau andersherum funktioniert.
Er wollte den Menschen zeigen, was allen Menschen gemeinsam ist.
Wie schön die Menschheit ist.
Wie wundervoll Leben ist.
Und das war der Startgedanke
seiner wichtigsten, größten und berühmtesten Ausstellung.
Der Titel "The Family of Man".
Los übersetzt könnte man sagen
"Die menschliche Familie".
Aus moderner Sicht hätte man den Titel vielleicht anders gewählt,
aber "Man"
war damals in den 50ern einfach nur synonym für Menschheit.
Edward Streichne jedenfalls beginnt mit der Arbeit an dieser Ausstellung,
indem er zunächst mal mehrere hundert Aufnahmen von verschiedensten Künstlern einkauft.
Gleichzeitig bittet er eine Freundin, Dorothea Lange, einen Aufruf in die Welt zu schicken.
Es wurde eingeladen, Fotos einzureichen, die in eine von 32 Kategorien passten und zum
Thema der Ausstellung.
Und der Aufruf wurde überall auf der Welt vernommen und beantwortet.
Über 2 Millionen Fotografien wurden eingereicht.
In den folgenden drei Jahren wurde diese unglaubliche Menge an Material gesichtet und
auf knapp 1000 Aufnahmen runtergedampft und dann in einem zweiten Durchlauf auf 503 Aufnahmen
reduziert. 503 ist übrigens immer noch für eine fotografische Ausstellung eine gewaltige
Zahl. Normalerweise versucht man da deutlich drunter zu bleiben. Die Aufnahmen kamen tatsächlich
aus der ganzen Welt. Allerdings war es trotzdem so, dass ein Großteil der 273 Fotografen und
Fotografen einen eher westlichen Blick auf die Welt gehabt haben dürften. Allein 70 stammten aus Europa
und 163 waren aus den USA. Viele waren allerdings weit gereist. Es wurde also wirklich versucht,
die gesamte Welt und auch fremde Kulturen abzubilden. Trotzdem kann man bis heute diese
Ausstellung vorwerfen, dass sie einige eher konservative Perspektiven auf die Welt einnahm
und den Bias, der in dieser Fotografinnen-Auswahl schon drin steckt, natürlich nicht ganz abschütteln kann.
Als die Bilder dann erstmal ausgewählt waren, ging es an das Ausstellungsdesign.
Und auch das war damals groundbreaking, also noch nie da gewesen.
Die Bilder waren in den unterschiedlichsten Größen, manche ganz klein, manche riesengroß gedruckt,
und konnten an der Decke, hoch an der Wand, niedrig an der Wand oder auch am Boden zu finden sein.
Begleitet wurden die Bilder von Ausschnitten aus Zitaten oder kurzen Gedichten.
Und die letzte Aufnahme zeigt, nachdem man durch die gesamte Bandbreite der menschlichen
Erfahrungen gegangen ist und oft auch sehr schöne Alltagsszenen gesehen hat, ein Atompilz als
abschließende Mahnung, dass die Menschheit es in der Hand hat, die schützenswerte Existenz und
Erfahrung des menschlichen Lebens zu zerstören oder zu bewahren.
Dadurch wird auch klar in welcher Zeit diese Ausstellung stattfand. Es war der
kalte Krieg und die ständige Bedrohung eines möglichen nuklearen Konflikts war
natürlich allen präsent. Die Ausstellung blieb auch nicht aufs MOMA in New York
begrenzt, sondern ging auf Tournee. Sie war schon in MOMA eine Sensation und die
Tournee verstärkte das noch. 69 mal wurde in 37 Ländern "The Family of Man" ausgestellt und
mehrere Ableger-Ausstellungen mit Einzelthemen daraus wurden ebenfalls kuratiert. Bis heute ist
es die meistbesuchte und meistbeachtete Fotoausstellung aller Zeiten. Über 10
Millionen Menschen haben diese Ausstellung gesehen. Wie es für solche Ausstellungen üblich ist,
produzierte Edward Steichen natürlich auch den dazugehörigen Ausstellungskatalog. Ein
ein großformatiges Taschenbuch, in dem man die ausgestellten Bilder nachschlagen konnte.
Für viele dürfte das das erste Buch gewesen sein, das sie gekauft haben, das sich fast
ausschließlich mit Fotografie befasst und kaum Text enthält.
Über vier Millionen Mal ist der Ausstellungskatalog von The Family of Man inzwischen verkauft worden
und damit das meistverkaufte Fotobuch aller Zeiten.
Blättert man das Buch durch oder besucht die Ausstellung, wird man auch viele Bilder
wiedererkennen. Manche der Fotografin und Fotografen, die beitrugen, waren zu dem
Zeitpunkt bereits selbst weltberühmt, aber für viele markiert diese Ausstellung
auch den Startpunkt einer fotografischen Karriere. In jedem Fall ist es so, dass
man natürlich Namen wie Henri Cartier-Bresson oder Robert Douanon oder
Margaret Bourque-White, Dianne Arbus, Lee Miller, Robert Frank, Robert Capper, Edward Weston,
Dorothea Lange, Andreas Feininger, Ansel Adams, Irving Penn, Eve Arnold, Richard Avedon oder Gary Winogrand
aus der späteren Fotogeschichte nicht mehr wegdenken kann. Es ist diese Ausstellung jedenfalls,
die Edward Stichen endgültig in den Geschichtsbüchern der Fotografie unsterblich macht.
Man kann sie übrigens bis heute besichtigen. Nach seinem Tod wurde sie nach Luxemburg überführt,
wo sie bis heute in Dauerausstellungen besichtigt werden kann.
Und auch den Katalog "The Family of Man" kann man nach wie vor bestellen.
Ich habe ein Exemplar hier und es lohnt sich absolut.
Die Bilder sehen dabei erstaunlich modern aus.
Viele haben nichts von ihrer Wirkmächtigkeit verloren.
Es sind eben Bilder von überall auf der Welt
und allen möglichen Situationen, die wir alle wieder kennen.
Freude, Trauer, Liebe, Wut, Momente der Stille, Momente der Ehrfurcht.
Wir erkennen die Menschen, wir erkennen die Situationen und auch wenn so eine Ausstellung heute wahrscheinlich etwas diverser kuratiert werden würde,
erreichen diese Bilder meiner Meinung nach immer noch, was sich Edward Streichner hoffte.
Eben daran zu erinnern, dass wir Menschen mehr gemeinsam haben als uns trennt. Und deswegen ist diese Ausstellung auch zu Recht im UNESCO
Weltdokumentenerbe verewigt.
1960 und 81-jährig heiratet Edward Streichner die
Jährige Joana Taub. Zwei Jahre später setzte sich endgültig zur Ruhe. Eine Ausstellung über die
Great Depression ist seine letzte große fotografische Arbeit. Er zieht sich auch zur
Öffentlichkeit zurück und beschäftigt sich mit Fotografie, Malerei und seinen Pflanzen. So genießt
er seinen Lebensabend und stirbt mit 94 Jahren am 25. März 1973. Edward Steichen war einer dieser
Fotografen, der mehr als nur eine Karriere gehabt hat und dabei so viel Einfluss aufs Medium
ausgeübt hat, dass man wahrscheinlich gar nicht anders kann als ihn nicht mehr wahrzunehmen,
weil er einfach omnipräsent ist. Er hat mehrere große Moden der Fotografie mitgemacht und mit
gestaltet und ließ sich weder auf ein Genre noch auf eine bestimmte Tätigkeit festlegen. Er war
Maler, er war Fotograf, er war Kurator, er war Aussteller, er war Sammler, er war Botaniker,
Herausgeber, Publizist und hat dabei aber nie aus den Augen verloren, wen er versucht zu erreichen.
Und er behielt einen ganz pragmatischen Blick auf seine Kunst. Mit dem Vorwurf konfrontiert,
dass der Kommerz in seiner Arbeit ja vielleicht auch die Kunst in den Hintergrund gedrängt hätte,
hat er zum Beispiel Folgendes zu sagen.
Ich weiß keine Art, die nicht oder nicht komponiert wurde.
Michelangelo, auf seinem Todesboden, sollte sich verabschieden,
dass er nie eine Chance hatte, was er wollte.
Es gab immer Popen und Potentaten, die ihm Orte und Verabschiedungen
für das, was sie ihm wollten, machen.
Er hat einen guten Job gemacht, den Betrag zu erfüllen.
Er kennt keine Kunst, die nicht wenigstens in Teilen kommerzialisiert ist, sagt er.
Und als Beispiel bringt er Michelangelo, der sich nämlich auf seinem Sterbebett beschwert
hat, dass er in seinem ganzen Leben fremdgesteuert worden war.
Immer gab es irgendwelche Päpste oder Herrscher, die von ihm irgendwelche Aufträge erfüllt
haben wollten.
Aber, so sagt Edward Stoichen, am Ende hat er das doch wirklich ganz gut gemeistert,
Kunst und Kommerz zu verbinden.
Ein Fotograf, zum Beispiel, macht nie wirklich ein Foto,
unless er sich davon bewegt, sich davon enttäuscht oder sich tief interessiert.
Ein Fotograf und ein Buttonbücher, den ich sie besonders nenne,
schützt einfach nur auf Dinge, die er von anderen gesehen hat.
Der Fotograf erstaunt eine innere Beziehung zwischen ihm und dem, was er fotografiert.
Ob es ein Kaninbind, ein Landscape oder ein Gratigarbo ist.
Knipser hingegen, die fotografieren eigentlich nur Dinge, die sie von anderen schon mal gesehen haben.
Es ist ihnen eigentlich egal. Aber ein Fotograf, so sagt er, der fotografiert, womit er eine intime Beziehung aufbauen kann.
Und dabei ist es ganz egal, ob es eine Dose Bohnen oder ein Star von Weltrang wie Greta Gabo ist.
Das war also Episode 85 des Fotomenschen Podcasts zu einem der einflussreichsten Fotografen
aller Zeiten und gleichzeitig einem Mann, den wahrscheinlich nur Fotoenthusiasten kennen
und selbst bei denen nicht alle.
Wenn euch der Podcast gefallen hat und ihr das FotoMension Projekt unterstützen wollt,
dann tut mir doch ein Gefallen und erzählt einfach weiter, dass es den Podcast gibt.
Ich podcaste nicht kommerziell, ich möchte also kein Geld, ich werde hier auch keine
Werbung machen, aber ich freue mich über Rückmeldungen und über steigende Hörer*innenzahlen.
Rückmeldung ist ein gutes Stichwort.
Ihr erreicht mich natürlich auf Social Media.
Ich glaube, ich bin ja ganz allgemein relativ einfach zu finden, aber am leichtesten im
Zusammenhang mit dem FotoMension Podcast geht es natürlich auf Twitter oder Mastodon unter
dem Handelfotomenschen. Die Webseite fotomenschen.net enthält alle Links, Videos, Artikel etc.,
die ich zur Recherche für diese Folge benutzt habe und viele viele Episoden inzwischen mit
Transkript, sodass man auch ganz hervorragend durch die vergangenen 84 Folgen stöbern kann.
Und wer mag, darf mir da gerne einen Kommentar unter der Episode lassen. Ich freue mich
darüber immer ganz besonders. E-Mail gibt es natürlich auch mail@fotomenschen.net. So
so viele Wege mich zu erreichen.
Und jetzt vielen Dank für eure Zeit fürs Zuhören.
Bleibt gesund und bis bald!